Hannah Horton es una de las saxofonistas más destacadas dentro dela escena emergente del jazz británico. Con tres discos editados Hanna y con el saxo barítono y tenor como principales vehículos de extpresión, se ha transformado para muchos en una pieza clave dentro de la escena.
Pero a pesar de tener una larga carrera académica recién en el 2020 empezó a confiar en su propia voz. Siendo Inside out, un punto de inflexión en su carrera, no solo por la recepción del disco dentro dela escena del jazz sino por su búsqueda honesta donde convive cierto tinte folk. En su último trabajo discográfico Stories on the wind, la saxofonista ha escrito una series de melodías cálidas acompañada de su saxo terno y barítono.
Gran parte de la música de Horton surge de sus vivencias, recuerdos y emociones donde pueden convivir la soledad, la desesperación pero también la esperanza. Las nueve canciones que componen el disco no suenan a canciones no parecen ser lineales, sino parece sumergirse en una profundidad ya sea tocando el saxo barítono o el tenor. Para ello el disco cuenta con el apoyo de Sam Leak, Rob Statham y el Steve Taylor.
Desde Reino Unido, Hanna reflexiona sobre su recorrido, su identidad dentro del jazz contemporaneo y el modo en que la confianza o la falta de ella moldea su obra. También deja entrever a una artista que sigue en movimiento, abierta a lo que viene y profundamente conectada con la idea de contar historias a través de la música.
Otra Canción: Para quienes aún no te conocen: ¿quién es Hannah Horton y cómo describirías tu trayectoria en el jazz?
Hannah Horton: ¡Vaya, qué pregunta más difícil! Siempre me siento un poco incómoda al describirme, ¡porque solo soy yo!
Supongo que diría que soy una saxofonista, compositora y directora de orquesta de jazz del Reino Unido. Toco el saxo barítono y el tenor, y mi música tiene sus raíces en el jazz y la improvisación, con melodías folk y mucha energía funky y rítmica. Me encanta la melodía y me encanta el ritmo. Parte de mi música es muy etérea y lírica, mientras que otras piezas son mucho más físicas, pero creo que la narración y la honestidad emocional están presentes en todas ellas.
Mi trayectoria en el jazz ha sido un tanto fragmentada. Después de la universidad y la escuela de música, no creo haber tenido la confianza suficiente para hacer música de una manera que me resultara completamente auténtica. No fue hasta alrededor de 2020 que empecé a confiar más en mis instintos. El lanzamiento de Inside Out en 2021 fue un punto de inflexión importante. La respuesta a ese álbum me dio confianza y me ayudó a sentir que podría haber un público para la música que quería hacer. Estoy bastante satisfecho con el camino recorrido hasta ahora. Ha habido muchos giros y vueltas, y sigo aprendiendo constantemente, pero me entusiasma ver qué me depara el futuro.
O.c: Muchos medios especializados te describen como una de las voces más influyentes del jazz británico contemporáneo. ¿Cómo manejas esa etiqueta y el peso de las expectativas que conlleva?
Hanna: Sinceramente, me resulta bastante difícil de asimilar. Definitivamente no ando por ahí pensando en mí mismo en esos términos. La mayor parte de la presión probablemente proviene de mi crítico interior, más que de cualquier otra persona. Tengo una voz muy activa en mi cabeza que me hace dudar de si algo es lo suficientemente bueno o si estoy tomando las decisiones correctas. El reconocimiento de críticos, locutores, público y otros músicos ayuda a acallar esa voz. Me hace sentir más seguro y validado, y me ayuda a crecer. Cuando la gente conecta con mi música, me da el valor para seguir desarrollándome, arriesgarme y confiar en que mi propia voz tiene valor.
Sin embargo, intento no convertir esos elogios en otro tipo de presión. No quiero empezar a hacer música para estar a la altura de una etiqueta. Solo quiero seguir aprendiendo y haciendo música que se sienta honesta.
O.c: El sonido de tu saxofón barítono tiene una presencia muy física, casi visceral. ¿EL saxi se convirtió en parte de tu identidad, incluso dentro de un instrumento a menudo considerado de nicho?
Hanna: Me encanta tocar el saxofón barítono. Desde que adquirí mi instrumento actual, Belle, en 2022, me siento cada vez más a gusto con él.
Me encanta la variedad de sonidos que podemos crear juntos. Tiene la profundidad y la potencia física que cabría esperar, pero también suavidad, agilidad y muchos matices.
Cuando empecé a tocar el barítono, era casi un reto divertido y desenfadado, junto con el trabajo técnico más riguroso que realizaba con el tenor. Como lo abordé con esa diversión y curiosidad, no creo que me preocupara demasiado cómo se suponía que debía sonar un saxofón barítono. Obviamente, trabajé en la técnica que necesitaba, pero lo que realmente me interesaba era la emoción y los diferentes matices que podía crear. Quería encontrar la suavidad dentro de la potencia y la agilidad dentro de un instrumento tan grande. Whisper fue un momento importante para mí. Comienza en el registro agudo del barítono, que es muy vulnerable, y también es una balada cargada de emoción. No hay dónde esconderse tras el tamaño o la potencia del instrumento. Tuve que confiar en el sonido, el fraseo y el sentimiento. Creo que fue entonces cuando sentí que el barítono se había convertido en una extensión de mi propia voz.
O.c: La escena del jazz británico está viviendo un momento de intensa fusión: folk, soul, música afrocaribeña, electrónica. ¿Dónde te ubicas dentro de ese panorama y qué tensiones o intersecciones te interesan más?
Hanna: La escena del jazz británico es un crisol fascinante. Creo que esa apertura la hace interesante y también ayuda al público a transitar entre diferentes tipos de música sin sentir que todo tiene que encajar en una categoría específica.
Mi propia música tiene sus raíces en el jazz y la improvisación, pero me atraen naturalmente las melodías folks y la música funky con ritmo. Me encanta la melodía y me encanta el ritmo.
También bailé mucho de joven, incluyendo claqué, baile urbano, jazz y bailes de salón, así que creo que el movimiento y el pulso siempre han formado parte de mi experiencia musical. No me siento a decidir que algo tiene que ser folk, funk o cualquier otra cosa. Me dejo guiar por lo que la pieza parece necesitar. A veces es algo muy amplio y lírico, y otras veces necesita un ritmo fuerte y una energía mucho más física.
Descubro que puedo plasmar en la música cosas que no puedo expresar con palabras. Así que, para mí, se trata de que la melodía, el ritmo y la improvisación se unan para transmitir algo emocionalmente.
O.c: Formas parte de una generación de mujeres que están transformando el liderazgo en el jazz. ¿Qué ha cambiado realmente y qué batallas silenciosas siguen presentes para las mujeres instrumentistas?
Hanna: Creo que uno de los mayores cambios es que la gente por fin habla más abiertamente sobre el desequilibrio histórico en el jazz. Hay más visibilidad para las mujeres instrumentistas, compositoras y directoras de orquesta, y más gente se pregunta por qué los escenarios, los programas de festivales y los espacios educativos tradicionalmente han tenido el aspecto que tienen. Lo veo desde diferentes perspectivas.
Además de liderar mis propias bandas y J Steps, soy directora de The F-List y miembro del equipo de Women in Jazz Media. Todos estos roles me han hecho muy consciente tanto del progreso alcanzado como del trabajo que aún queda por hacer. La visibilidad es fundamental. Cuando un joven músico ve a alguien como él liderando una banda, componiendo música o interpretando un solo, cambia su visión del futuro. Pero aún existen muchas batallas silenciosas. A menudo me he sentido subestimada o como si tuviera que demostrar mi valía antes de ser tomada en serio. También se me ha considerado la cantante o la novia de algún otro miembro de la banda, en lugar de la artista principal y líder. Estos momentos pueden parecer insignificantes individualmente, pero revelan una idea preconcebida más amplia sobre quién debería ostentar la autoridad musical.
Para mí, el progreso real significa ir más allá de la representación como un mero gesto. Significa crear un mundo del jazz donde las mujeres y las personas no binarias puedan liderar, desarrollarse y ser reconocidas sin tener que superar primero esos prejuicios.
O.c: Más allá de tu propia carrera, diriges J Steps para jóvenes músicos y músicas no binarias. ¿Qué ves en esta nueva generación que te entusiasma del futuro del jazz?
Hanna: Lo que más me entusiasma es su perspectiva del mundo y de la música.
Hay fuerza y confianza en su forma de pensar y sentir, y cada vez tienen más confianza para expresarse y tocar. Tienen ideas y quieren que se escuchen.
Son conscientes del desequilibrio histórico en el jazz, pero no parecen desanimarse por ello. Se sienten optimistas al empezar a abordar ese desequilibrio y ayudar a crear algo diferente.
A través de J Steps, veo a jóvenes músicos aprendiendo a confiar en sí mismos, a ocupar su espacio y a expresar sus propias ideas. No esperan a que alguien les dé permiso para tener voz. Eso me llena de esperanza. Son reflexivos y conscientes socialmente, pero también son músicos aventureros. No se limitan a adentrarse en el jazz tal como ya existe. Están empezando a darle forma a lo que podría llegar a ser.
O.c: Stories on the Wind nació de una idea de memoria, movimiento y paisaje. ¿Qué historias personales o musicales intentabas plasmar cuando empezaste a componerlo?
Hanna: El álbum no comenzó con un concepto general. Primero surgieron las piezas individuales, y cada una nació de una emoción o experiencia diferente que había tenido.
Normalmente no compongo en medio de una emoción. Surge después, a través de la reflexión. Escribir es una forma de procesar algo que he sentido. Luego trabajo en la composición y los arreglos, los llevo al estudio y empiezan a transformarse en algo nuevo con la banda.
Mirando hacia atrás, puedo ver que el hilo conductor del álbum es la transformación personal. Estaba aprendiendo a confiar más en mi intuición, en mi forma de tocar, de escribir, en mis decisiones como líder de la banda y en las decisiones más amplias que tomaba en la vida.
Eso también fue una parte importante del proceso de grabación. Había traído las composiciones y los arreglos conmigo, pero necesitaba estar abierto a lo que pudieran llegar a ser cuando estuviéramos todos juntos. Martin Levan y mi compañero Nick me ayudaron a confiar en mi propio criterio en lugar de dudar constantemente de mí mismo.
El título Stories on the Wind surgió mucho después. Solo cuando la música se hubo desarrollado pude escuchar cómo todas esas diferentes historias emocionales encajaban entre sí: la infancia, el amor, la pérdida, la esperanza, la incertidumbre y encontrar la confianza para seguir tu propio camino.
O.c: El álbum tiene una atmósfera muy particular: niebla, costa, silencio, luz tenue. ¿Cómo construiste esa narrativa ambiental a través del saxofón barítono y tenor, y qué papel jugó el entorno del estudio Red Kite en su creación?
Hanna: No me propuse conscientemente describir un paisaje en particular. Creo que la atmósfera surgió a través de las melodías, las texturas, el espacio y la sensación de cada composición.
Cada pieza está escrita para un saxofón específico. La elección entre barítono y tenor no es algo que haga después para añadir un color en particular. El instrumento forma parte de la identidad de la pieza desde el principio. Sinceramente, no me parecería bien tocar una de esas piezas con el otro saxofón.
El barítono me da profundidad y presencia física, pero también puede ser increíblemente suave, vulnerable y lírico. El tenor tiene una claridad e intimidad diferentes. Tiendo a percibir instintivamente a qué voz pertenece una pieza mientras la compongo. Red Kite Studio me brindó todo ese espacio para desarrollarme. El espacio, el aire fresco y el entorno galés crearon una especie de refugio donde podían surgir ideas más libres y novedosas. Vivir esa experiencia junto con la banda también fue muy importante. Pudimos vivir, comer, reír y hacer música juntos sin prisas. Me ayudó a confiar en mi criterio sobre lo que el álbum necesitaba. Nada se sintió forzado ni artificial en ningún momento. Tuvimos tiempo para escuchar y dejar que la música se convirtiera en lo que quería ser. Creo que eso nos ayudó a capturar el espacio entre las notas tanto como las notas mismas.
O.c: Este es tu álbum más personal hasta la fecha. ¿Qué aspectos de tu identidad musical tu relación con el barítono, tu fraseo, tu construcción melódica sientes que se manifiestan aquí sin filtros?
Hanna: He crecido mucho como intérprete, instrumentista y compositor desde que grabé Inside Out. Creo que ese crecimiento está presente, pero también una mayor confianza en mí mismo.
Me preocupaba menos demostrar mis capacidades y más dejar que cada pieza expresara lo que necesitaba. Dejé más espacio, toqué menos notas cuando sentía que era lo correcto y confié en la carga emocional de una frase en lugar de sentir que cada momento debía estar lleno.
Mi relación con el barítono también se siente mucho más libre. No siento la necesidad de que suene potente o técnicamente impresionante solo porque sea un instrumento tan grande. Puede ser suave, lírico, ágil, vulnerable o enérgico. Depende completamente de lo que la música requiera.
También confié más en mis primeros instintos e ideas espontáneas en el estudio. Estaba abierto a cambiar los arreglos y a dejar que la música se desarrollara con la banda, en lugar de aferrarme demasiado a lo que había aportado originalmente. La melodía sigue siendo fundamental en mi composición, pero creo que ahora las melodías y el espacio que las rodea se sienten más seguros. El álbum se siente auténtico porque confié más en mi interpretación, en mi composición y en mi criterio que antes.
O.c En piezas como “Out of the Shadows”, “Chasing Daisies”, “Peace Speak” y “Whisper”, exploras Momentos vitales muy diferentes: incertidumbre, infancia, Frustración, amor y pérdida. ¿Cómo transformas esas Experiencias en música sin que tu vida privada Limite tu creatividad?
Hanna: Normalmente no compongo en medio de una emoción. La música casi siempresurge después, a través de la reflexión. Se convierte en una forma de procesar lo que he sentido ycomprenderlo desde una perspectiva más amplia.
El punto de partida puede ser muy personal, pero no intento recrear la experiencia literalmente. Busco su esencia emocional: incertidumbre, ternura, frustración, esperanza, amor o pérdida. Luego, dejo que eso se convierta en melodía, armonía, ritmo y espacio.
«Out of the Shadows» refleja una época en la que la vida no iba según lo planeado, pero presentía que se avecinaba un cambio y que aún había esperanza.
«Chasing Daisies» surgió de una vieja fotografía que mi madre encontró de cuando tenía unos cuatro años. Estoy sentada al sol en el jardín, con un bikini de rayas rojas y blancas, haciendo guirnaldas de margaritas con nuestro Yorkshire terrier, Jumble, a mi lado. La melodía evoca algo de esa inocencia infantil.
«Peace Speak» nació de la frustración por la crueldad de algunas personas. No siempre sabemos por lo que está pasando otra persona, así que se convirtió en un deseo de más compasión y empatía.
«Whisper» es un agradecimiento a mi pareja, Nick, por su amor, apoyo y ánimo.
Una vez que empiezo a desarrollar la composición y el arreglo, la obra comienza a trascender la experiencia original. La banda aporta su propia respuesta, y los oyentes también aportan sus propios recuerdos y sentimientos.
La historia personal dota a la música de verdad emocional, pero no dicta lo que la pieza debe significar para otra persona.
O.c: Los críticos perciben ecos de Gerry Mulligan en tu barítono y de Frank Wess o Harold Land en tu tenor. ¿Cómo convives con esas comparaciones sin que eclipsen tu propia voz?
Hanna: Es muy halagador que me comparen con músicos de esa talla, aunque esas comparaciones provienen principalmente de críticos y gente de la industria, más que de mi propia concepción de mi interpretación.
De todos esos nombres, Gerry Mulligan es el músico al que he escuchado con mayor atención. Su fraseo, su sonido y la forma en que utilizaba el barítono como un instrumento tan lírico han sido, sin duda, muy importantes para mí. Las comparaciones con Frank Wess y Harold Land son más bien cosas que otras personas han percibido en mi forma de tocar el saxo tenor. De hecho, me parece bastante interesante. A veces, alguien más percibe una conexión en tu sonido que no has intentado crear conscientemente.
El jazz es un género musical en el que todos absorbemos influencias de los músicos que nos precedieron, pero nunca he intentado imitar deliberadamente a ningún intérprete en particular. Mi propio sonido se ha desarrollado a través de mis experiencias, mis composiciones, los dos saxofones y los músicos con los que toco. Me alegra que las comparaciones sirvan de referencia para los oyentes. Solo espero que luego escuchen más allá de esa referencia y perciban algo que les resulte propio.
O.c: «Remembering Mr Gone» se convirtió en un doble homenaje: a Wayne Shorter y a tu padre. ¿Qué ocurrió en ese momento espontáneo en el estudio que hizo que esa versión minimalista se convirtiera en la forma definitiva de cerrar el álbum?
Hanna: Ya habíamos grabado una versión completa para cuarteto. A la mañana siguiente, me desperté con una introducción nueva, mucho más amplia, en la cabeza y una sensación completamente diferente para la canción. Grabé una nota de voz en mi teléfono de inmediato porque no quería perderla. Luego fui al estudio con Sam Leak para ver qué pasaría si la probábamos como dúo. Martin acababa de llegar, pero por suerte estaba allí para grabar. Parece una grabación nocturna, pero en realidad eran las 9:30 de la mañana. No hubo ensayo, ni auriculares, ni intentos de darle demasiadas vueltas. Era simplemente un saxofón barítono y un piano interactuando espontáneamente.
Originalmente compuse la pieza tras enterarme de la muerte de Wayne Shorter. «Mr. Gone» era uno de sus apodos, y siempre lo he asociado con el sonido de los acordes de séptima mayor, que dan forma a la composición.
La conexión con mi padre surgió después de tocar la última nota. Todos estábamos llorando, y de repente mi padre me vino a la mente. En ese momento, se convirtió en un recuerdo suyo, además de una despedida a Wayne.
No habíamos planeado ni forzado nada de eso, y creo que por eso sonó tan auténtico. Fue entonces cuando supe que era la versión definitiva y la forma correcta de terminar el álbum.