El próximo jueves 12 de noviembre, a las 20:30, el armonicista y compositor José Luis Carreras llegará al Auditorio de la Facultad de Lenguas para presentar Retratos Mínimos, en una nueva edición del Ciclo Jueves Song. El proyecto propone un encuentro entre el folclore del Noroeste Argentino, el minimalismo y el jazz nórdico, a partir de una búsqueda sonora que combina pocos recursos musicales con una profunda carga expresiva.
Inspirado en sus viajes por el NOA y en referentes de la música europea, Carreras construye un universo en el que la armónica, el piano y las voces dialogan con los paisajes, las memorias y las sonoridades del folclore argentino. En esta presentación estará acompañado por la cantante Velia Puiatti y el pianista Nacho Pereyra.
José Luis Carreras sobre el paso de intérprete a compositor, los cruces entre distintas tradiciones musicales, la búsqueda de la belleza desde lo simple y la importancia de recuperar una escucha atenta, capaz de darle tiempo y espacio a la música.
El concierto será el jueves 12 de noviembre a las 20:30 en el Auditorio de la Facultad de Lenguas. Las entradas se pueden reservar a través de Ocio Tickets, sin costo adicional.
Otra Canción: Después de tantos años de exploración musical, ¿qué te llevó a dar el paso de comenzar a componer y presentar un proyecto integral de música propia con “Retratos Mínimos”?
José Luis Carreras: Luego de haber integrado diferentes formaciones en las que no solo interpretaba folclore argentino, sino que también exploré la música de Astor Piazzolla, el tango, y ritmos brasileros como el choro y la bossa nova, sentía que tenía música dentro de mí que en ese momento no sabía cómo expresar. A menudo hacía arreglos de temas populares y los llevaba a un lugar tan distinto que ni siquiera se parecían a la canción original. Recuerdo que mi pareja me decía seguido: “Eso podría ser una canción nueva, ¿por qué no componés algo vos?”. Yo sentía que eso estaba muy lejos aún.
Una noche estaba escuchando Purcor, un disco del saxofonista Trygve Seim. Al escucharlo, pensé: “Podría hacer un disco de música del NOA con armónica y piano”. Pasaron alrededor de cuatro años hasta que me decidí. En 2025 me propuse que ese sería el año en el que le daría vida a la idea. Tuve la firme sensación de que había llegado el momento y de que el proyecto, por fin, había madurado durante el tiempo transcurrido.
O.c.: El EP propone un encuentro entre el folclore del NOA, el minimalismo y el jazz nórdico. ¿Cómo nació esta búsqueda sonora y qué encontraste en ese cruce de universos musicales?
José Luis: Me encanta que utilices la palabra “encuentro” y no fusión, ya que no creo mucho en el término fusión de la forma en la que se lo utiliza a menudo.
Respondiendo a tu pregunta y siendo totalmente honesto, no nació como algo premeditado, creo fervientemente (y quizás sea una obviedad) en que la música a la cual uno se expone en un tiempo prolongado, termina por colarse en la obra que uno lleva a cabo luego. Siempre fui, y soy, muy curioso, cuando escuché por primera vez a Philip Glass me voló la cabeza, luego comencé a buscar toda la música minimalista que podía, después apareció el jazz nórdico, durante un tiempo solo escuchaba esta música, nada de folclore. Pero luego cuando me propuse pensar en mis composiciones, cuando me senté y comencé a trabajar no encontraba otra forma de componer que no fuera desde el folclore argentino, sentía que era (y es) mi punto de partida, el lugar desde el cual puedo expresarme realmente. Fue una sorpresa y un gran faro el haber encontrado a Dino Saluzzi y su disco “Navidad en los Andes”, para mí significó un sincretismo perfecto entre todos estos universos musicales.
O.c.: En la descripción del proyecto hablás de trabajar con pocos recursos musicales para conectar con emociones complejas. Hay una idea de que menos es más, que parece ir a contramano de una época en la que muchas veces se privilegian los grandes arreglos, las orquestaciones y la abundancia de recursos. ¿Creés que despojar una canción de esos elementos implica también un desafío mayor? ¿Que, cuando hay menos recursos, la canción queda más expuesta y necesita encontrar su belleza desde otro lugar?
Respuesta: Totalmente. Es un desafío enorme y, en primer lugar, un trabajo personal, porque lo lleva a uno a no buscar ser el centro de atención, sino el canal por el cual la obra se expresa; en este caso, la obra debe superar al intérprete. Eso ya es un reto a nivel personal, pero luego, a nivel musical, también lo es, ya que desaparece la figura del músico virtuoso. Al principio, cuando comenzaba a escuchar mis composiciones a medida que las grababa, pensaba por dentro: “Pero estas canciones son muy sencillas, cualquiera las podría tocar, ¿qué estoy haciendo?”. Hasta llegaba a sentir vergüenza de lo que escuchaba, aunque creo que es algo común en alguien que empieza a componer. Sin embargo, luego de un tiempo, comencé a encontrar belleza en eso que había creado; comencé a encontrar la belleza de lo simple, lo cual a menudo suele ser un ejercicio interesante. Porque no debe confundirse lo simple con la simpleza, tal como supo decir el ilusionista argentino René Lavand.
O.c.: El primer adelanto, “Doña Ana”, está dedicado a tu abuela paterna. ¿Qué recuerdos, emociones e historias personales se transformaron en música a la hora de componer esta canción?
José Luis: Creo que lo que uno más recuerda a menudo de su abuela, al menos en mi caso, es la comida. El pan casero recién sacado del horno de barro y las tardes de mate debajo de la parra de uva chinche que ella tenía… Creo que todo eso fue construyendo en mí el relato que después terminé traduciendo en esa canción.
Por otra parte, la composición nació como un ejercicio para cerrar las sesiones de constelaciones que había estado haciendo durante el año 2024. Recuerdo que mi consteladora me dijo: “¿Por qué no le compones una canción a tu abuela?”. En su momento lo tomé con cierta liviandad, pero un año después sentí que había llegado la hora de hacerlo. De hecho, fue la primera canción que compuse; luego vinieron todas las demás.
O.c.: Sos reconocido internacionalmente como armonicista y has desarrollado una importante trayectoria con la armónica cromática. ¿Cómo influye ese recorrido en tu identidad como compositor y qué posibilidades expresivas descubriste en este nuevo proyecto?
José Luis: La armónica ha sido mi canal de expresión durante mucho tiempo. He estudiado (y lo sigo haciendo) mucha técnica para poder transmitir todo lo que tengo en mente; sin embargo, cuando me siento a componer o a pensarme como compositor, no lo hago desde allí. Para inspirarme, escucho mucha música en la que la armónica no participa; he escuchado a Mathias Eick, Trygve Seim, John Surman, Gustavo Santaolalla, Jan Garbarek, Dimitri Grechi Espinoza, Dino Saluzzi, Joep Beving, Büşra Kayıkçı, entre otros. Me di cuenta de que, al momento de tocar, no estaba utilizando todos los recursos que había estudiado —es más, casi ninguno—, pero de alguna manera encontré esa forma de expresarme a través de este proyecto, donde los temas no suenan a composiciones exclusivamente para armónica. Creo que el no haber escuchado durante mucho tiempo discos de armonicistas (que los hay en abundancia y muy buenos) me permitió tomar esa dirección.
O.c.: Fuiste finalista del Pre-Cosquín y participaste en festivales internacionales de armónica. ¿Qué aprendizajes de ese camino musical sentís que hoy se reflejan en tu obra?
José Luis: La experiencia del Pre-Cosquín fue una de las mejores que viví, porque comencé a pensarme como músico profesional a partir de allí. Pasamos largas horas con mi pareja (Velia) reversionando los temas que iba a presentar. Me conecté de una manera muy fuerte con el folclore argentino a partir de ese momento; para mí fue un antes y un después. Cuando estás en este tipo de competencias te cruzás con muchos músicos excelentes, y poder verme allí, y darme cuenta de que había llegado a la final, significó que podía hacer un camino. Recuerdo que en esa edición, entre los miembros del jurado, se encontraba el gran Omar Moreno Palacios, que para mí era un emblema de la música desde que lo había escuchado años atrás en una edición del Tantanakuy en Humahuaca, en la casa de Jaime Torres. La cosa es que, al día siguiente de la final, nos entregaban a quienes no habíamos ganado las devoluciones del jurado; recuerdo cómo quedé de emocionado al leer una devolución de él sobre una versión de “El Humahuaqueño” que habíamos hecho. Estas fueron sus palabras: “Muy místico”. Eso significó para mí algo muy relevante: que semejante hombre, de una lucidez tal como el señor Moreno Palacios, hubiese escrito eso no era poca cosa. Aún conservo esas hojas.
Con respecto a los festivales de armónica, cada vez que me presenté siempre llevé al folclore como bandera. Recuerdo estar en Lima (Perú) enseñándole al guitarrista cómo debía sonar una cueca y la diferencia entre una cueca norteña y una cueca cuyana, o compartirle unos discos de Los Chalchaleros que para mí son increíbles rítmicamente al momento de interpretar las cuecas cuyanas. Luego el guitarrista me enseñaba cómo debía sonar la marinera, el festejo, etc. Esas experiencias son súper enriquecedoras porque aprendés música de primera mano.
O.c.: En este concierto del Jueves Song vas a compartir escenario con Velia Puiatti y Nacho Pereyra. ¿Cómo fue el encuentro con estos músicos y qué aportan sus interpretaciones al universo de Retratos Mínimos?
José Luis: Velia Puiatti es mi pareja; a ella la conocí gracias a la música hace ya varios años. A menudo solemos cantar juntos en nuestro hogar, compartir música e ideas. Ella le da voz a dos canciones de Retratos Mínimos, aportando esa calidez que necesita esta obra y su conocimiento profundo del folclore argentino.
Cuando escuché la música de Nacho Pereyra y su manera de tocar el piano con esa sensibilidad, supe de inmediato que era la persona ideal para este proyecto. Aparte, me interesaba más contar con un pianista que estuviese más cerca del jazz que del folclore argentino.
O.c.: En Retratos Mínimos mencionás que los intérpretes son canales por donde se expresa la obra. ¿Cómo convive esa mirada con la impronta personal de cada músico y con la improvisación?
José Luis: Siento que los integrantes de este proyecto nos hemos sabido acomodar muy bien a esta idea; cada uno se percibe como parte de un todo y creo que hemos logrado esa forma de trabajar. Con respecto a la improvisación, hay espacios definidos en algunas canciones para improvisar, pero siempre desde la postura de no sentir horror por el vacío, de pensar el silencio como algo que coexiste y colabora con el sonido. Como mencionaba anteriormente, el intérprete está al servicio de la obra y no al revés.
O.c.: En tiempos en los que la música suele consumirse de manera rápida y fragmentada, tu propuesta invita a una escucha atenta y profunda. ¿Sentís que también hay una búsqueda de recuperar otra relación con el tiempo y con la experiencia de escuchar música?
José Luis: Sí, siento profundamente la necesidad de poder volver al ritual de sentarse a escuchar música. Hay veces que pongo un disco y alguna canción no me gusta tanto como la anterior, pero la dejo sonar; pienso que por algo está ahí. Debemos dejar de ir solamente hacia lo que nos gusta. La búsqueda estética es genial, pero es acotada en cierto modo, porque siempre estaremos escuchando alrededor de lo mismo. Se trata de poder escuchar completas las sonatas para piano de Beethoven, aunque nos lleve horas; no para entender esa música, sino para que realmente nos transforme. Creo fervientemente que, en el acto de entregarse por completo a una escucha deliberada, uno se transforma y modifica su cerebro literalmente.
O.c.: El EP completo llegará en abril de 2027. ¿Qué historia propone este trabajo y qué te gustaría que el público descubra de vos en esta nueva etapa autoral?
José Luis: El año próximo estará disponible el disco completo, titulado Retratos Mínimos. El nombre de la obra nace como un juego de palabras esencial: por un lado, busco retratar las vivencias y el legado que dejaron los viajes realizados durante muchos años a la región del Noroeste Argentino (NOA), ya que el álbum cuenta con composiciones inspiradas profundamente en la música de esa región.
Por otra parte, el término «Mínimos» hace referencia a la naturaleza de las composiciones, las cuales se acercan al universo sonoro del minimalismo musical y del jazz nórdico. También alude a la formación del ensamble.
Si bien todas las obras que integran el material son aires de folclore, el tema que abre este viaje se titula «Erquenchos y Cajas». Se trata de un intento conceptual por plasmar dos de los instrumentos musicales por excelencia de los carnavales andinos. El sonido despojado y ancestral de estos dos instrumentos anuncia el inicio de las tradicionales rondas de copleros; convocan, unifican y marcan el pulso. Esa es, precisamente, la gran intención de esta introducción musical: invitar al oyente a despojarse del ruido exterior para ingresar de lleno en la mística de la obra.
Con respecto a qué me gustaría que el público descubra de mí, siento que cuando uno pasa de ser intérprete a ser compositor, de alguna manera está mostrando un lado más íntimo. Desde ese lugar, me gustaría que la gente descubra que no va a encontrar a un músico enfocado únicamente en el virtuosismo; encontrará a un artista que busca navegar cada vez más por el complejo mundo de la quietud, intentando conectar con la emocionalidad de la obra y poniendo el foco en este aspecto. Encontrarán a un músico que entiende, respeta, estudia y ama el folclore argentino, pero que no lo ejecuta de manera tradicional; y no porque desmerezca esa vertiente, sino porque no encuentro otra manera de expresarme.