Como cada año, desde otra canción hacemos un balance de algunos discos que nos gustaron. Acá te dejamos 25 discos que creemos necesarios. Como siempre decimos es solo una pequeña porción de una gran cantidad de discos que se editaron y nos gustaron. En este caso lo único que tuvimos en cuenta es que sean todos con canciones nuevas
Lucy Patané y Paula Maffia – Lesbiandrama
Lucy Patané y Paula Maffia unen fuerza en Lesbiandrama, un ep compuesto por cuatro canciones, Trago sin Terminar y Muchacha Desquiciada escritas por Lucý Patané, a la que se suman Bolero y El dedo en el renglón escritas por Paula Mafia.
Las 4 canciones que forman parte del ep pareciera sacarlas de su zona de confort logrando un trabajo de calidad gracias a las letras que por momentos nos invitan a reflexiona y su sonido por momentos ochentoso que nos invitan a bailar.
Marina Fages – El mundo pequeño
Marina presentó el mundo mundo pequeño, su cuarto alabúm en estudio en el que explora el mundo del rock alternativo. A lo largo del disco se pueden apreciar canciones como la que la que le da nombre el disco, “el mundo pequeño”, donde la distorsión de la guitarra cobre fuerza junto a un estribillo gutural por momentos violento.
A lo largo del disco se puede observar algunas melodías cercanas al heavy metal, pero donde también hay lugar para dos canciones instrumentales como “Grimorio del mundo pequeño” y “Ssantelrmor”
Scalandrum – Escalectric
scalandrum cerró el año con el lanzamiento de «Escalectric«, un álbum compuesto por 11 canciones que marca el comienzo de una nueva etapa para la banda. Bajo el liderazgo del prestigioso baterista Pipi Piazolla, nieto de Astor Piazzolla, el jazz eléctrico se hace presente de manera más marcada en su música.
Podríamos resumir «Escalectric» como la reinvención de Escalandrum después de 25 años, ya que presenta un sonido nuevo donde lo eléctrico se fusiona con las características sonoras que los identifican. A lo largo de las 11 canciones, se puede sentir la presencia del groove y la apuesta por canciones simples, sin excesos de solos (de hecho, hay uno por canción).
En algunos momentos, «Escalectric» parece traer de vuelta el sonido futurista que músicos como Herbie Hancock o Max Roach buscaron en los años 70 y 80 (a quien Escalandrum rinde homenaje)
José james – On & On
El músico oriundo de Minesota Sorprendió a más de uno con On &On, tal como lo dice el título que le rinde homenaje al primer sencillo publicado por Erikah badu . El disco es un conjunto de canciones que van Baduizm, editado en 1997 hasta New Amerykah part Two, editado en 2010.
On & On es el tercer lanzamiento de una serie en la que James recrea el trabajo de un icono de a la música estadounidense (los anteriores fueron Billie Holiday y Bill Withers). Además, James es uno de los primeros músicos en recrear a su modo el cancionero de la estrella del hip hop, algo que no es fácil teniendo en cuenta la idiosincrasia de la cantante. Más si se tiene en cuenta que muchas de sus canciones incluyen chistes internos, partes autorreferenciales, saludos a amigos o imágenes muchas veces absurdas. Pero pese a todo esto, James encaró el desafió de interpretar 7 canciones de Erykah badu intentando sonar fieles a la original, pero también su la propia identidad de él.
Tal vez el desafió del On & On sea recrear un repertorio de hip hop, porque es fácil escuchar tributos de jazz a artistas pop. Hay que destacar que el jazz siempre ha sido una parte destacada en la música de Badu, pero que en la interpretación de James se convierte en el ingrediente principal.
Winona Riders -El sonido del éxtasis
Sin duda un Winona fue una de las bandas más elogiadas de este 2023. Con dos discos editados este año la banda se consolidó dentro de la escena underground y profundizaron su característico rock psicodelico, garage y hasta espacial.
El sonido del éxtasis está conformado por 11 canciones lleno de psicodelia y distorsiones que te invitan a un trance que solo Winona saber hacer.
Lisandro Aristimuño – El rostro de los acantilados
Lisandro Aristimuño, el talentoso músico nacido en Viedma, nos sorprendió este año con su último álbum, «El rostro de los acantilados». Compuesto por 13 cautivadoras canciones, este disco nos sumerge en los paisajes de su ciudad natal, donde cada melodía se entrelaza con los encantos de Viedma.
A lo largo del álbum, Aristimuño nos lleva desde melodías ambientales hasta momentos que evocan al joven y enérgico Fito Páez de los años 80. Además, se combinan sutilezas compuestas por distorsiones y programaciones, creando una experiencia sonora única.
«El rostro de los acantilados» refleja el gran momento y la madurez artística que Lisandro ha ido adquiriendo disco tras disco. Además, cuenta con la participación de destacados invitados, lo que demuestra que Aristimuño se ha convertido en una referencia para muchos. Entre los colaboradores se encuentran Pedro Aznar (en «Devolver tu amor»), David Lebón (en «Por encima del fuego»), Jono McClery (en «No ves tal vez»), Nicolas Alfieri (en «Tres de Abri») y Mariana Michi (en «Bailar»).
Una vez más, Lisandro nos invita a sumergirnos en su mundo musical, donde lo analógico, lo orgánico y lo electrónico se conjugan para transportarnos a un universo que él mismo ha sabido cultivar a lo largo de sus ocho discos anteriores.
Pedro guerra – Parceiros
El talentoso músico español nos ha sorprendido al finalizar este año con «Paraceiros Volumen 1». Este primer disco forma parte de una trilogía que se lanzará a lo largo del 2024. El álbum cuenta con 13 canciones inéditas, muchas de las cuales fueron escritas en colaboración con destacados colegas de habla hispana y portuguesa, como Bunbury, El Kanka, David Aguilar, Pedro Pastor, entre otros.
El verdadero lujo de este disco radica en cómo el cantautor, originario de Güimar, logra llevar su poesía y su universo sonoro a un nuevo nivel, donde mientras uno compone la música, el otro escribe. «Paraceiros» es, sin duda, un homenaje a esas «parceiras» que tanto trabajo compartieron con Vinicius Moraes.
Cat Power – Sings Dylan
A primera vista, «Cat Power Sings Dylan» es simplemente un álbum de covers. Marshall interpretó la música en vivo, siguiendo cada paso que dio Dylan en Alberto royal hall, incluyendo su cambio sonoro a mitad de camino, pasando de lo acústico, típico de un trovador de folk, al rock con una banda potente. En «Sings of Dylan», Marshall recrea tal cual el famoso concierto pirata titulado «Bob Dylan Live 1966, The Royal Albert Hall», conocido por ese cambio de set acústico a rockero a mitad de concierto, lo cual generó disgusto en sus seguidores. Tal vez tanto Marshall como su maestro entienden que la ironía y la sinceridad pueden coexistir sin contradicción.
Fonso – El día del trabajador
Este año, Fonso nos sorprendió con el lanzamiento de «El Día del Trabajador», un disco lleno de ironías y homenajes al rock nacional. A lo largo de las canciones que componen este álbum, se pueden apreciar diversos guiños sonoros a artistas como Calamaro, Virus, Riff, entre otros.
Las letras de Fonso reflejan su visión del mundo actual, donde muchos artistas parecen ser similares entre sí y donde algunos no valoran el trabajo del músico como una profesión. El disco es una crítica y una reflexión sobre esta realidad, presentada de manera irónica y con un sentido de homenaje hacia el rock nacional. «El Día del Trabajador» es una obra que combina la influencia de grandes referentes del género con la perspectiva personal de Fonso, creando un álbum que no solo rinde tributo al pasado, sino que también ofrece una mirada fresca y actualizada sobre la música y la industria en la actualidad.
El Mato un Policía Motorizado – Super Terror
El Mato un policía motorizado – Super terror
El disco de Santiago Motorizado y su compañía fue sin duda uno de los más esperados en la escena indie. En «Super Terror», a lo largo de las 10 nuevas canciones, Santiago nos invita a sumergirnos en un mundo lleno de emociones y algunos lugares comunes, pero que gracias a su forma de escribir, adquieren un valor especial.
En cuanto a lo melódico, El Mató a un Policía Motorizado deja en claro su amor por las melodías creadas en los años 80 y el synthpop, fusionándolos con su sonido característico. El resultado es una combinación única que captura la esencia de la banda y al mismo tiempo rinde homenaje a influencias pasadas.
«Super Terror» es un disco que no solo destaca por su calidad musical, sino también por la capacidad de Santiago Motorizado para transmitir emociones a través de sus letras y su interpretación. Es un trabajo que demuestra la evolución y madurez artística de la banda, consolidándolos como referentes en la escena indie.
Kara Jackson – Why Does the Earth Give Us People to Love
La ex poeta nacional juvenil de Estados Unidos, de tan solo 23 años, ha publicado su álbum debut titulado «Why Does the Earth Give Us People to Love?». Este disco es una representación de alguien que habla sobre su compromiso con la vulnerabilidad y el reconocimiento, donde la agonía y la adoración parecen surgir del mismo lugar.
Aunque ninguno de los temas del álbum se refiere directamente al amor, el amor es sin duda el tema central que aborda. La música puede no sonar dulce a primera vista, de hecho, en ocasiones puede ser dura e incómoda. Sin embargo, la narración está llena de lirismo y muestra una habilidad excepcional para crear imágenes deslumbrantes.
Este álbum debut nos muestra el talento y la sensibilidad de esta joven artista, quien logra transmitir emociones profundas a través de su música y sus letras. Es un trabajo que invita a la reflexión y nos sumerge en un mundo íntimo y personal, donde la belleza se encuentra en la vulnerabilidad y en la capacidad de expresar nuestras emociones más auténticas.
Alex Anwandter – El diablo en el cuerpo
El músico chileno ha lanzado su cuarto álbum titulado «El Diablo en el Cuerpo». Este disco es una invitación tanto a bailar como a reflexionar sobre diversas temáticas. En canciones como «Maricoteca», el artista aconseja a un chico que ha sido expulsado de su casa, abordando temas de discriminación y aceptación.
En «Unx de Nosotrxs», Alex Anwandter colabora con Javiera Mena, dos exponentes de la música pop, para explorar el tema del amor desde una perspectiva actual. Mientras tanto, en «O tienes una mirada muy antigua del amor», junto a Julieta Venegas, Alex deja en claro su opinión sobre las relaciones amorosas.
«El Diablo en el Cuerpo» es un disco que invita a reflexionar sobre la actualidad desde la perspectiva de un observador, mientras muchos bailan al ritmo de sus canciones. Es un trabajo que combina ritmos bailables con letras que abordan temas sociales y personales, creando un equilibrio entre la diversión y la reflexión. Alex Anwandter demuestra una vez más su habilidad para crear música que va más allá del entretenimiento superficial y nos invita a pensar y cuestionar nuestro entorno.
Mujer cebra – Clase B
Mujer Cebra es una banda pospunk que se destaca como una de las grandes promesas de la escena independiente en nuestro país. Durante este año, lanzaron su segundo álbum titulado «Clase B». A lo largo del disco, se puede encontrar una combinación perfecta de ritmos rápidos y momentos más lentos y angustiantes, donde la balada toma un papel central.
«Clase B» es un trabajo discográfico que ofrece una dosis justa de velocidad y ritmos más pausados, creando una atmósfera musical variada y cautivadora. La banda logra transmitir emociones intensas y momentos de introspección a través de su música, con letras que exploran temáticas personales y sociales.
Mujer Cebra demuestra su talento y originalidad en cada una de las canciones de «Clase B», consolidándose como una propuesta musical destacada en la escena independiente. Su capacidad para combinar diferentes estilos y crear una experiencia auditiva única hace que este álbum sea una joya para los amantes de la música pospunk.
Mochi - La Certeza del dolor
Mochi, uno de los máximos exponentes de la canción uruguaya en los últimos años, lanzó su álbum «La Certeza del Dolor». En este disco, Mochi se atreve a abrir su corazón y dedicar canciones como «Amichi» a un amigo desaparecido debido a problemas de consumo, así como a su abuela Carmen. Estas dos canciones podrían resumir tranquilamente el título de este gran disco.
«La Certeza del Dolor» es un álbum en el que Mochi se sumerge en temas profundos y personales, explorando la pérdida, el dolor y la búsqueda de significado en la vida. A través de su música, Mochi logra transmitir emociones intensas y reflexiones sobre la existencia humana.
En la canción «La Oruga o el Cogollo», Mochi canta sobre cómo todos buscamos las mismas cosas en la vida, pero nadie sabe realmente qué es lo que nos mueve. Ya sea el olor o la espina de la rosa, todos nos encontramos en la búsqueda constante de algo que nos impulse y dé sentido a nuestras vidas.
«La Certeza del Dolor» es un disco que muestra la habilidad de Mochi para componer letras profundas y emotivas, combinadas con una musicalidad cautivadora. Su capacidad para conectar con el público a través de sus canciones lo convierte en un artista destacado en la escena musical uruguaya.
Julieta Laso – Pata de Perra
Julieta Laso es una de las voces más destacadas y versátiles de la música argentina. Después de su exitoso álbum «Cabeza Negra» lanzado en 2022, llega «Pata de Perra», su último trabajo discográfico en colaboración con Macha del Bloque Depresivo. Este álbum de 12 canciones presenta una fuerte presencia de la música latinoamericana desde la primera canción.
En «Pata de Perra», Julieta Laso decide invitar a varios artistas para enriquecer su propuesta musical. Entre ellos se encuentran Pancho Araya, Vicentico, La Dame Blanche, Juan Pablo Mendoza, Claudio «Pájaro Araya» y otros talentosos músicos. Esta colaboración demuestra la apertura de Julieta hacia diferentes géneros y su capacidad para adaptarse a distintos estilos musicales.
A lo largo de su trayectoria, Julieta Laso se ha consolidado en el tango y los ritmos folclóricos, pero su incursión en los ritmos de Latinoamérica muestra su valentía y versatilidad como artista. Su voz poderosa y emotiva le permite abordar cualquier género musical con maestría y autenticidad.
Con «Pata de Perra», Julieta Laso continúa demostrando su talento y su capacidad para explorar nuevos horizontes musicales. Este disco es una muestra de su evolución artística y su compromiso con la música latinoamericana, consolidándola como una figura destacada en la escena musical argentina.
Duratierra – La Fuerza
Duratierra es una banda que se reorganizó después de la pandemia, con la salida de uno de sus integrantes y la entrada de otro, convirtiéndose en un septeto. Lanzaron su disco «La Fuerza», donde se hace presente la rabia del rock y la tranquilidad del folclore.
Una de las canciones más destacadas del disco es «Washington», que muestra la rabia y la invitación a la revolución, a vivir en la frontera y reinventar el mundo. Mientras tanto, en «Mica Vita», se canta sobre la falta de reconocimiento de la cultura latinoamericana por parte de los estadounidenses, haciendo referencia a Yupanqui y cuestionando por qué los gringos no cantan sus canciones. La letra expresa la indignación por la basura que se arroja en el país y cómo se oprime a la cultura local.
Sin embargo, Duratierra no se limita solo a la rabia y el ruido, también incorpora el baile y el amor en su música. Un ejemplo de esto es la infaltable cumbia en cada presentación de Duratierra, como en la canción «Amor Tecnócrata». Además, en esta canción cuentan con la participación de Astor Saraco Vita, hijo de los dos integrantes principales de la banda.
Duratierra es una banda que fusiona diferentes géneros y temáticas en su música, creando un sonido único y comprometido con la realidad latinoamericana. Su capacidad para transmitir emociones y mensajes a través de su música los convierte en una propuesta interesante en la escena musical actual.
Marco Sanguinetti- X (diez)
Marcos Sanguinetti, uno de los pianistas de jazz más destacados de nuestro país, lanzó este año su álbum «X» (Diez), sucesor de «8» (2013) y «9» (2017). En este disco, se pueden encontrar 10 piezas en las que conviven artistas como Radiohead, Piazzolla, Cuchi Leguizamón y Beethoven, entre otros.
A lo largo del disco, se pueden apreciar las imperdibles improvisaciones que caracterizan el estilo musical de Marcos Sanguinetti. En su música, se fusionan el rock, la música clásica y el folclore, creando un sonido único y ecléctico que refleja la diversidad de influencias presentes en las grandes urbes como Buenos Aires.
«X» es una invitación para aquellos que aún no se han adentrado en la música de Marcos Sanguinetti, para que se acerquen y disfruten del buen jazz argentino. Su habilidad en el piano y su capacidad para fusionar diferentes géneros musicales hacen de este álbum una experiencia musical enriquecedora y emocionante.
Marcos Sanguinetti es un exponente destacado de la escena jazzística argentina y su música es una muestra del talento y la creatividad presentes en el jazz nacional. «X» es un testimonio de su evolución artística y una muestra de su capacidad para crear música que trasciende fronteras y emociona a los oyentes.
Ainda – Te Quiero
Ainda, el dúo integrado por Esmeralda Escalante y Yago Escrivá, es uno de los dúos más importantes de la escena pop argentina. Recientemente, decidieron simplificar su nombre de Ainda Dúo a simplemente Ainda. Su canción «Te Quiero» es otro ejemplo del cambio sonoro que han estado experimentando desde que tomaron esta decisión.
«Te Quiero» es una reafirmación del sonido que han estado explorando desde la salida de sus trabajos anteriores, como «Millones» y «Animal». Las canciones que forman parte de este disco son un claro ejemplo del momento que vive la música indie pop en nuestro país. Además, el álbum cuenta con la participación de destacados invitados de la escena musical, como El Zar, Feli Colina, Bandalos Chinos, Perotá Chingo y Conociendo Rusia.
Para los seguidores de Ainda desde sus inicios, seguramente la última canción del disco, «Rompecabezas», será percibida como un homenaje a los comienzos de la banda. A través de su música, Ainda ha logrado cautivar a su audiencia y evolucionar en su sonido, manteniendo su esencia y creando canciones que conectan con las emociones de sus seguidores.
Ainda se ha consolidado como un referente en la escena pop argentina, y su último disco es una muestra de su talento y versatilidad musical. Su capacidad para colaborar con otros artistas y su habilidad para crear canciones pegadizas y emotivas los convierte en una propuesta interesante y prometedora en la industria musical actual.
Feli Colina – Lxs Infernales (de valle encantado)
Feli Colina, la cantante salteña, continúa demostrando su habilidad para fusionar el folclore con ritmos urbanos. Su último disco puede ser definido como una actualización sonora de algunos clásicos de la música folclórica argentina, como «Chakaymanta» (Hermanos Abalos), «Trigal» (Sandro), «Babalu» (Margarita Lecuona) y «Carnavalito del duende» (Cuchi Leguizamón y Eduardo Castilla).
El disco invita a escuchar parte del cancionero folclórico argentino, especialmente el salteño. Su música es una puerta de entrada para que las nuevas generaciones se adentren en el mundo del cancionero folclórico y se animen a seguir este camino que Feli Colina ha comenzado. Con su propuesta musical, Feli Colina busca actualizar y revitalizar el folclore argentino, incorporando elementos contemporáneos y ritmos urbanos. Su enfoque fresco y moderno atrae a un público más joven y amplía el alcance de la música folclórica, manteniendo al mismo tiempo la esencia y la tradición de este género musical
Silvestre y la naranja – Sueño Cítrico (el día después)
Silvestre y la Naranja es una banda que ha ganado mucha notoriedad en la escena musical indie en los últimos años. Este año, lanzaron una edición Deluxe de su último trabajo discográfico titulado «Sueño cítrico (el día después)», que incluye varias canciones que te invitan a bailar, como por ejemplo «Playita», que combina elementos pop con bossa nova y tiene un ritmo pegadizo.
Sin embargo, también hay espacio para la melancolía en el álbum. Una de las canciones que refleja esta melancolía es «Cartas de amor». A través de esta canción, la banda logra transmitir emociones más introspectivas y nostálgicas.
En resumen, Silvestre y la Naranja es una banda indie que ha ganado reconocimiento en la escena musical. Su último trabajo discográfico, «Sueño cítrico (el día después)», en su edición Deluxe, presenta una mezcla de canciones que invitan al baile con elementos pop y bossa nova, así como también momentos de melancolía. Es un álbum que muestra la versatilidad y el talento artístico de la banda.
PJ Harvey – I Inside The Old Year Dying
Luego de siete años de ausencia, Pj Harvey ha decidido regresar a la música con su álbum «I Inside The Old Year Dying». Este álbum podría considerarse como la continuación de su libro de poesía «Orlam», publicado en 2022. Las canciones que forman parte del disco son poemas musicalizados.
A lo largo del disco, Pj Harvey nos presenta la vida de Ira-Abel Rawles a través de sus canciones. Su voz se desliza entre susurros y extraños falsetes, gracias a las técnicas de su coproductor, Flood. Esta combinación de técnicas vocales y la musicalización de los poemas crean una atmósfera única y evocadora en el álbum.
«I Inside The Old Year Dying» nos sumerge en un viaje musical y poético, donde Pj Harvey nos invita a explorar la vida y las emociones de Ira-Abel Rawles a través de su voz y las composiciones musicales. El álbum muestra la versatilidad y la creatividad artística de Pj Harvey, quien ha logrado cautivar a su audiencia una vez más con su regreso a la música
Christina Rosenvigne – Versos Sáficos
Christina Rosenvigne, después de incursionar en el cine y el teatro, vuelve a la música. En esta ocasión, lo hace con «Versos Sáficos», un disco que busca revivir la música en los versos de Safo de Lesbos, una de las poetas líricas más destacadas de la antigua Grecia, cuyas obras se cantaban en lugar de leerse.
Este disco puede ser una excelente oportunidad para adentrarse en el mundo de Safo y descubrir su poesía a través de la interpretación musical de Christina Rosenvigne. Si bien los poemas no son de su autoría, Christina demuestra con calidez su capacidad para llevar a un nuevo rumbo algunos de los poemas de la poeta griega, manteniendo fidelidad a su estilo y asumiendo la responsabilidad de interpretar su obra.
«Versos Sáficos» nos invita a sumergirnos en la poesía de Safo a través de la música, permitiéndonos experimentar una conexión única con el legado de esta gran poeta. Christina Rosenvigne demuestra una vez más su talento y habilidad para dar vida a los versos y llevarnos en un viaje emocional a través de su interpretación musical.
Pollo Raffo – La Falacia del espantapájaros
En una nueva entrega de la colección de músicas y flores, el trío liderado por el compositor Juan Pollo Rafo ha lanzado un álbum conceptual y minimalista. Este disco consta de nueve canciones en las cuales se pueden apreciar guiños a la música progresiva de los años 70 y a la música rioplatense.
El álbum ofrece una interesante fusión entre el jazz y el rock, creando un sonido único y cautivador. Aunque se pueden percibir reminiscencias del tango y el folclore, el enfoque principal se centra en la exploración del jazz con un toque cercano al rock.
Es importante destacar que este disco está dedicado a Martín Rur, lo cual añade un significado especial a la obra. La dedicación puede reflejar una influencia o inspiración que Martín Rur ha tenido en la creación de este álbum.En resumen, este álbum conceptual y minimalista del trío liderado por Juan Pollo Rafo ofrece una experiencia musical única, fusionando elementos del jazz, rock, tango y folclore rioplatense. Es una excelente oportunidad para disfrutar de un buen disco de jazz con un enfoque fresco y contemporáneo.
Versus – Versus
Otro disco destacado que cuenta con la participación del nieto de Astor Piazzolla es «Versus», el primer álbum de su nuevo proyecto que lleva el mismo nombre. Pipi Piazzolla lidera este grupo, el cual también incluye a Gustavo Musso en EWI (Electronic Wind Instrument), Esteban Shinkman y Mariano Sívori en el bajo eléctrico.
El disco consta de 8 canciones en las cuales el groove se hace presente de manera destacada. El EWI, instrumento electrónico de viento, adquiere relevancia a lo largo de los 39 minutos que componen el álbum, llevando al jazz a sonoridades cercanas al funk y lo espacial en algunos momentos.
Entre las canciones que se destacan se encuentra «Marrakech», un tema que fusiona la música oriental con elementos electrónicos, creando una interesante combinación de sonidos. Por otro lado, «Dibu» es un homenaje al arquero de la selección argentina y fue grabado días después de la final contra Francia, lo cual le añade un contexto especial a esta canción.
En resumen, «Versus» es el primer disco del nuevo proyecto liderado por Pipi Piazzolla, nieto de Astor Piazzolla. El álbum presenta una fusión de jazz, funk y sonoridades espaciales, destacándose la presencia del EWI. Con canciones como «Marrakech» y «Dibu», este disco ofrece una experiencia musical única y emocionante.
Kelela – Raven
El segundo álbum de Kelela llamado Raven es simplemente una obra de arte en la cual se fusionan el house, ambient, soul y dance. El disco se puede dividir en dos mitades distintas. La primera está marcada por ritmos fuertes y adictivos, con momentos brillantes. Un ejemplo de esto es la canción «Happy Ending», que se inspira en el house de los años 90 y crea una atmósfera enérgica.
A medida que esta canción se desvanece, aparece «Let it Go», una canción ligeramente jazzística que muestra una faceta diferente de Kelela. Esta segunda mitad del álbum ofrece una atmósfera más relajada y sofisticada, con influencias del jazz y una sensibilidad más introspectiva.
En resumen, el segundo álbum de Kelela es una obra maestra que combina diferentes géneros como el house, ambient, soul y dance. Con una primera mitad enérgica y adictiva, y una segunda mitad más relajada y jazzística, este disco muestra la versatilidad y el talento artístico de Kelela. Es una experiencia musical que no se puede pasar por alto.
Sufjan Stevens – Javelin
El disco «Javelin» de Sufjan Stevens comienza de manera tranquila, tenue y lenta, pero se expande hasta convertirse en un collage animado. Este álbum representa un nuevo salto en las composiciones de Stevens, transmitiendo la idea de que el amor trasciende lo terrenal. Una vez más, Stevens ilustra la superposición entre la pasión y la destrucción, invitando a su amante a bailar en medio de nuestra catástrofe.
En la mayoría de las pistas, las aperturas de cuerdas folk se despliegan en extensas capas de instrumentación, mientras la voz susurrante de Stevens se retuerce con emoción y salta en declaraciones de anhelo. El espectacular estilo del álbum es el resultado de 20 años de experimentación. «Javelin» entrelaza el carácter folklórico de álbumes anteriores como «Seven Swans» y «Carrie and Lowell» con la electrónica rítmica de «The Age of Adz» e incluso los estribillos de percusión del álbum navideño «Silver and Gold».
Sin embargo, «Javelin» es más que la suma de sus partes inspiradoras. Su vulnerabilidad romántica y su instrumentación sinfónica se fusionan con la esencia del indie folk, mostrando a Stevens en su forma más verdadera y mejor.
En resumen, «Javelin» de Sufjan Stevens es un disco que comienza de manera tranquila pero se expande en un collage animado. Con su instrumentación rica y capas de sonido, el álbum transmite la idea de que el amor trasciende las limitaciones terrenales. Stevens muestra su habilidad para combinar diferentes estilos y emociones, creando una experiencia musical única y conmovedora.
Islas de Caras – Flores Robadas
Isla de Caras cierra el año con el lanzamiento de su más reciente EP, titulado «Flores Robadas». Este trabajo incluye emocionantes versiones de reconocidas canciones, como «Todo el Universo» en colaboración con BLAIR, «Culto de Voyeurs» de su exitoso álbum «Gran Turismo», «Dame» de Luis Miguel, «Te Olvidaste» de C. Tangana, «Si tú no vuelves» de Miguel Bosé y «Mi Historia Entre Tus Dedos», un clásico de la música originalmente publicado en 1995 por Gianluca Grignani. Este EP promete deleitar a los fanáticos.
Gabo Ferro – Loca
Antes de su muerte, el trovador argentino grabó junto al guitarrista Edgardo Gonzalez, un álbum en el que revisita composiciones de mujeres argentinas de la década de 1920 y 1930. algunas de ellas son Libertad Lamarque, Tania, Azucena Maizani, Tita Merello entre otras.
Ibiza Pareo – Por si acaso se acaba el mundo
«Por si acaso se acaba el mundo» es el nuevo EP de Ibiza Pareo, que consta de seis canciones compuestas enteramente por versiones de temas que son significativos para la banda. Este disco es una celebración de esas canciones que han dejado una huella en Ibiza Pareo, ya sea por sus letras, sus sentimientos o por haberlas bailado en numerosas ocasiones.
Bestia Bebé – Vamos a destruir
Bestia Bebé lanza su quinto álbum de estudio titulado «Vamos a Destruir». El disco fue editados por los sellos Primavera Labels y Laptra. El nuevo trabajo de la banda oriunda de Buenos Aires consta de nueve canciones que combinan diferentes estilos a los que nos tiene acostumbrado la banda y el Space rock, uno de los estilos menos abordados por la banda.