En un instrumento históricamente confinado a la delicadeza, Brandee Younger encontró un territorio de expansión. No llegó para “modernizar” el arpa ni para convertirlo en un gesto de rareza dentro del jazz contemporáneo: llegó para devolverle su potencia. En sus manos, el arpa no es un símbolo etéreo ni un adorno de cámara; es un cuerpo rítmico que dialoga con el hip hop, el R&B, el jazz espiritual y la tradición clásica.
En la última década, su nombre se volvió imprescindible. No solo por su virtuosismo, sino por su capacidad de abrir genealogías: reivindicó a Dorothy Ashby, Alice Coltrane y Sarah Lawrence cuando aún eran figuras marginales en la pedagogía del arpa; reescribió repertorios; amplió la conversación sobre quién puede tocar el instrumento y desde dónde. Su trabajo pedagógico, su presencia en discos clave del jazz actual y su propia obra —que en Gadabout Season alcanza un punto de madurez emocional y técnica— la consolidaron como una de las artistas más influyentes de su generación.
Pero detrás de esa claridad hay un recorrido lleno de tensiones: la presión de ser “vista antes de ser escuchada”, la carga simbólica de ser la primera mujer negra nominada a un Grammy en composición instrumental, la necesidad de sostener un legado sin quedar atrapada en él, la búsqueda de una voz propia en un instrumento que la industria insiste en encasillar.
En esta conversación, Brandee Younger habla con una honestidad luminosa sobre todo eso: sobre cómo combinar mundos que antes mantenía separados, sobre la responsabilidad de llevar una antorcha sin perder identidad, sobre la libertad de improvisar, sobre el miedo y la belleza de estar sola con los propios pensamientos, y sobre lo que significa hacer que el arpa suene a furia, a alegría o a caos sin perder su esencia.
Otra Canción: Llevas años demostrando que el arpa puede integrarse con facilidad en géneros como el R&B, el hip hop y el jazz espiritual. ¿En qué momento sentiste que esta exploración realmente estaba empezando a cambiar la percepción del instrumento?
Brandee Younger: Siento que oculté un mundo del otro durante muchos años, y el momento en que fui sinceramente honesto conmigo mismo y combiné todos mis mundos «en voz alta» es cuando siento que las cosas realmente mejoraron para mí y las percepciones de la gente comenzaron a cambiar.
O.c: Eres una activa defensora de la obra de Alice Coltrane, Dorothy Ashby y también de figuras como Sarah Lawrence. ¿Cómo equilibras un legado tan poderoso con la necesidad de construir tu propia voz sin caer en las inevitables comparaciones?
Brandee: Cuando comencé a defender las historias y la música de mis antepasados, lo hice con el deseo de que la gente supiera que esta música existía y de que la comunidad arpista en general respetara estos estilos de interpretación, poco representados, pero muy importantes en su estilo musical. Ni siquiera pensé en componer mi propia música hasta más tarde. Y con eso surgió la evolución de mi propio estilo, que tiene influencias de Ashby y Coltrane, pero también de los estilos musicales con los que crecí: R&B de la vieja escuela y hip hop. Así, mi estilo se distingue claramente del suyo, sin copiarlo. Fue una forma larga de decir que me expuse a la comparación porque mi voz ni siquiera estaba desarrollada antes, y ahora la distinción es clara (menos, por supuesto, el arpa y el hecho de ser mujer negra, jaja), pero llevo la antorcha con orgullo.
O.c: He leído que el arpa pasó de ser un instrumento predominantemente masculino a uno asociado con las mujeres. ¿Cómo se produjo ese cambio y cómo influye esa historia —y sus tensiones actuales— en tu forma de pensar sobre la técnica, la enseñanza y la representación del instrumento en el jazz contemporáneo?
Brandee: ¡Esta es una pregunta capciosa! Creo que hubo una afluencia de jóvenes que estudiaban arpa aquí en Estados Unidos en la época en que dos figuras destacadas del mundo del arpa, Carlos Salzedo y Marcel Grandjany, se hicieron famosas. En cuanto a mi forma de enseñar arpa, intento animar a los estudiantes a que primero valoren la música y a que encuentren su voz artística. Independientemente del género musical que quieran tocar, me centro en esto. También dejo muy claro que está bien ser diferente y recorrer caminos menos transitados al tocar el instrumento. Hoy en día, no todos aspiran a ser músicos de orquesta.
O.c: Tu nuevo álbum nació en medio de una crisis personal y una intensa gira. ¿Qué descubriste sobre ti mismo, como artista y como persona, durante ese retiro creativo en la cabaña del norte del estado?
Brandee: Aprendí que pasar tiempo a solas con los propios pensamientos es a la vez aterrador y liberador. Pude lograr mucho con un poco de tiempo para mí, sin distracciones.
O.c: En Gadabout Season trabajaste con músicos que se mueven con fluidez entre instrumentos y lenguajes musicales. ¿Qué buscas en un colaborador para que el arpa pueda expandirse sin perder su esencia? ¿Y qué encontraste en artistas como Shabaka, Courtney Bryan y Niia?
Brandee: En una colaboración, busco artistas sensibles al arpa y que escuchen atentamente para descubrir cómo encajan en la música y complementan el arpa. Shabaka, Courtney y Niia hacen precisamente eso. Makaya McCraven y Joel Ross también contribuyeron con gran dedicación a la canción principal, «Gadabout Season», sin desviarse del sonido ligero y divertido que ofrece.
O.c: El álbum combina piezas profundamente vulnerables como «Surrender» con momentos de furia como «BBL» o «Breaking Point». ¿Qué te enseñó esa gama emocional sobre tu voz como compositor, especialmente cuando tu objetivo es transmitir alegría sin palabras?
Brandee: ¡Me enseñó muchísimo! El arpa es un instrumento hermoso, de voz suave y a menudo ignorado. La gente suele asociarlo con la calma, la sanación y el descanso. Con esas canciones que mencionaste, la intención era transmitir sonidos no tan relajantes al oyente. Así que aprendí en este proceso que, con la intención correcta, se puede lograr la vibra general… con el arpa y sin palabras.
O.c: Leí que un director de banda te dijo una vez: «Te ven antes de oírte», sobre todo cuando eras la única banda negra en las competiciones. ¿Cómo influye esa conciencia de presencia en tu identidad actual como intérprete y líder?
Brandee: Esto es algo que me acompaña en mi vida diaria, no solo en la música. Nos juzgan día tras día, así que tu comportamiento, tanto físico como figurativo, dice mucho incluso antes de que la gente te conozca o sepa algo de ti. Te ven antes de oírte.
O.c: Te convertiste en la primera mujer negra nominada a un Grammy en composición instrumental solo en 2022. ¿Cómo lidias con la alegría de ese reconocimiento y la frustración de que llegara tan tarde?
Brandee: Tras afrontar la alegría y la frustración, me propuse observar a todas las increíbles compositoras negras de nuestra historia, abarcando todos los géneros. Conocía a muchas, pero aprendí sobre algunas. También me propuse incluir sus obras en mi repertorio y en el de mis alumnos.
O.c: Has dicho que no intentas que el arpa suene como un piano o una guitarra. ¿Qué guía tus decisiones sobre cuándo el arpa debe asumir un papel rítmico, armónico o una presencia puramente textural dentro de un conjunto?
Brandee: Estas decisiones se toman en función de otros elementos de la música. Si la instrumentación incluye un piano que toca rítmicamente, toco arpegios más fluidos. Si la instrumentación es bastante extensa, busco una presencia texturizada. Naturalmente, si soy el único instrumento de acordes, como en un trío, tengo que desempeñar múltiples roles. Por lo tanto, la música y la instrumentación guían estas decisiones.
O.c: Tu estilo surge de una mezcla de jazz espiritual, bebop, técnica clásica francesa y sensibilidad hip-hop. ¿Cómo logras ese equilibrio para que no se convierta en una simple suma de referencias, sino en una voz personal reconocible?
Brandee: Esto es muy fácil para mí porque es lo que me sale de forma natural. Estas son mis influencias más fuertes, así que cuanto más orgánico sea el proceso, más fácil me resulta equilibrarlo.
O.c: En «End Means», Shabaka toca de forma contenida y minimalista, mientras que en «Breaking Point» sales de tu zona de confort. ¿Cómo decides cuánto espacio le das a la improvisación, si la dejas expandirse o la frenas?
Brandee: No estoy seguro de que «Breaking Point» me saque de mi zona de confort, pero sí creo que es un espacio al que mucha gente no está acostumbrada. Ambos «End Means» son principalmente improvisados, ¡pero las vibras son taaaan diferentes! Rashaan Carter produjo, diseñó y tocó el bajo en el álbum, y escribió «End Means», lo cual es un claro reflejo de su estilo sobrio. «Breaking Point» fue todo mío. Tenía muy claro el sentimiento que quería evocar.
O.c: Algunos críticos afirman que Gadabout Season se mueve en una «trayectoria familiar» del jazz espiritual contemporáneo. ¿Sientes que hay alguna expectativa estética depositada en ti —o en el arpa— que influye en la recepción de tu obra?
Brandee: Sí, lo hay. Esto se debe en parte al instrumento que toco, al sello discográfico en el que estoy y a la época en la que vivimos. Todo el jazz es espiritual, y aun así sigo leyendo que el «jazz espiritual» está de moda, ¡jajaja!
O.c: ¿Qué espera que descubran los oyentes que se acercan al arpa por primera vez a través de Gadabout Season, especialmente en piezas donde el instrumento se vuelve caótico, rítmico o incluso agresivo?
Brandee: Quiero que sepan que el arpa no es solo para un sentimiento, una emoción o un sonido. Quiero que sientan el fluir de la vida, ¡a la vanguardia de este hermoso instrumento!