Al Di Meola llega a Buenos Aires este sábado 12 y domingo 13 de septiembre para presentarse a las 21:00hs en La Trastienda. A más de cuatro décadas de sus comienzos, el guitarrista estadounidense sigue defendiendo una idea que atraviesa buena parte de su recorrido: la técnica puede deslumbrar, pero es la composición la que termina contando una historia. En tiempos de canciones pensadas para unos segundos de atención, Di Meola reivindica la escucha, el tiempo y la música entendida como una obra completa.
El guitarrista construyó una carrera alrededor de una idea que todavía hoy parece estar en el centro de su búsqueda: que la técnica solo tiene sentido cuando está al servicio de la música. Desde su irrupción en Return to Forever junto a Chick Corea, Stanley Clarke y Lenny White, el guitarrista estadounidense fue ampliando los límites de la fusión al cruzar jazz, rock, música clásica, ritmos latinoamericanos y flamenco. En ese recorrido también quedaron encuentros decisivos con Paco de Lucía, John y McLaughlin, músicos que transformaron su manera de escuchar, tocar y componer.
Con más de cuatro décadas de trayectoria, más de treinta discos como solista y una extensa lista de reconocimientos, Di Meola continúa explorando nuevas formas de relacionar melodía, ritmo, armonía y emoción. Su último trabajo, Twentyfour, nació durante la pandemia como un proyecto acústico e íntimo y terminó convirtiéndose, después de cuatro años de trabajo, en un álbum doble de más de 80 minutos. Lejos de ajustarse a las reglas actuales de consumo musical, decidió conservar la dimensión de una obra que necesitaba ser escuchada. A más
Esa tensión entre profundidad y velocidad también atraviesa su mirada sobre el presente. Di Meola observa una escena con músicos técnicamente extraordinarios, pero cuestiona una época en la que muchas veces la música queda reducida a unos pocos segundos capaces de captar la atención. Frente a esa lógica, reivindica la composición, la escucha y el tiempo como elementos irremplazables de la experiencia musical.
Hablamos con Al Di Meola sobre sus comienzos con Chick Corea, el histórico encuentro con Paco de Lucía y John McLaughlin, la influencia del flamenco, el tango y las músicas latinoamericanas, su concepción de la técnica y la composición, el origen de Twentyfour y los desafíos de hacer música en una época atravesada por las plataformas y el consumo inmediato.
Otra Canción: Empezaste muy joven en una banda clave como Return to Forever junto a Chick Corea, John McLaughlin, Paul Simon, Pavarotti, por nombrar solo algunos. Después de toda esa trayectoria, ¿cómo ves la música y el jazz hoy en día? A menudo parece estar más influenciado por la industria, las redes sociales y los algoritmos de Spotify.
Al Di Meola: Tenía 19 años cuando Chick me llamó para unirme a Return to Forever. Esa banda estaba formada por Chick, Stanley Clarke, Lenny White y yo. John McLaughlin, Paul Simon, Luciano Pavarotti y los demás llegaron más tarde, en etapas completamente diferentes de mi vida.
La mayor diferencia hoy en día no radica en el nivel de talento. Hay más músicos excepcionales que nunca. El problema es que a menudo no los asociamos con una obra completa. En los años 70, al oír el nombre de un grupo, uno pensaba inmediatamente en un álbum, un sonido y una época de su vida. Ahora, la gente descubre diez segundos de alguien en una llamada telefónica y pasa a otra cosa.
Las redes sociales pueden ser útiles. Me permiten comunicarme directamente con personas de todo el mundo. Pero un algoritmo puede medir qué clics o qué omite alguien; no puede predecir qué música seguirá teniendo significado dentro de 20 años. El peligro surge cuando los músicos empiezan a componer para el algoritmo. La música requiere tiempo, concentración y conexión humana. Eso no se puede reemplazar con números en una pantalla.
O.c: A lo largo de su carrera, usted formó parte del auge del jazz fusión en los años 70 y 80. ¿Cómo ve ese movimiento hoy en día y su influencia en las nuevas generaciones?
Al Di Meola: La fusión nunca se concibió como una fórmula. Surgió porque los músicos estaban inquietos. Nos encantaba la armonía y la improvisación del jazz, pero también la energía del rock, la sofisticación de la música clásica y los ritmos latinoamericanos y de otras partes del mundo. Nadie estaba en una reunión de una discográfica decidiendo inventar un género.
Esa influencia está presente en todas partes hoy en día. Conozco a jóvenes músicos que conocen esos discos con una precisión asombrosa, a veces nota por nota. Técnicamente, muchos de ellos son increíblemente buenos. Lo que a veces echo de menos es la composición que hay detrás de esa habilidad. Una frase espectacular llama la atención, pero una gran pieza musical le da a esa frase una razón de ser. La mejor música de esa época tenía ambas cosas.
O.c: Formaste un trío histórico con Paco de Lucía y John McLaughlin. ¿Qué hizo que ese encuentro fuera tan especial y por qué sigue siendo tan influyente?
Al Di Meola: En ese escenario había tres personalidades musicales completamente distintas. John tenía su lenguaje armónico y esa poderosa arquitectura rítmica. Paco llevaba en sus manos toda la historia y el alma del flamenco. Yo venía del jazz fusión, del ritmo latino y de una articulación muy precisa. Ninguno de nosotros sonaba como los otros dos, y esa era precisamente la clave.
Había un respeto enorme, pero también una sana competencia. Todos debían estar completamente preparados porque no había dónde esconderse. Ni batería, ni bajista, ni muro de sonido detrás de nosotros. Solo tres guitarras, tres pares de manos y la verdad.
Nos escuchábamos, nos desafiábamos y, a veces, nos impulsábamos mutuamente a superar nuestros límites. El público percibía ese riesgo. Por eso nunca sonó formal ni académico. Tenía un toque de peligro.
O.c: Creo que tus álbumes con Paco de Lucía y John McLaughlin fueron un punto de inflexión para muchos. ¿Qué los hizo tan distintivos e importantes que aún hoy se consideran fundamentales?
Al Di Meola: Las actuaciones principales de Friday Night in San Francisco fueron grabadas en el Teatro Warfield en diciembre de 1980. Se puede escuchar la reacción del público en tiempo real, y esa energía eleva la música a otro nivel. No se trataba de tres músicos turnándose cortésmente. Los dúos crearon diferentes tensiones, y luego el trío unió los tres lenguajes musicales.
Ese disco vendió millones de copias, lo cual fue extraordinario para un álbum instrumental acústico. Demostró que tres personas sentadas en un escenario con guitarras podían generar la misma emoción que un gran concierto de rock.
Luego , Passion, Grace & Fire y, años después, The Guitar Trio exploraron las posibilidades del estudio. Cuando las grabaciones de la noche siguiente en San Francisco se publicaron finalmente como Saturday Night in San Francisco en 2022, confirmaron que el primer álbum no había capturado solo una noche de suerte. Algo verdaderamente excepcional estaba sucediendo entre nosotros.
O.c: Mirando hacia atrás, ¿qué crees que aportó la confluencia entre el jazz, el flamenco y la música latina a la historia de la guitarra?
Al Di Meola: Amplió el papel de la guitarra acústica. Ya no tenía que pertenecer exclusivamente a un recital clásico, a un concierto flamenco o al acompañamiento de una canción. Podía sostener un concierto completo con un alto nivel de intensidad y complejidad.
Y lo que es más importante, ninguno de nosotros tuvo que renunciar a su identidad para que funcionara. Paco seguía sonando como Paco, John como John y yo como yo mismo. La combinación creó un cuarto idioma sin borrar los tres originales.
Eso abrió las puertas a muchos guitarristas que vinieron después. Demostró que la música de diferentes culturas podía fusionarse sin diluirse ni convertirse en una versión inofensiva de «crossover».
O.c: La música latina se percibe como una fuerte influencia en tu sonido. ¿Cómo se integró ese idioma en tu forma de componer?
Al Di Meola: Crecí en Nueva Jersey, lo suficientemente cerca de Nueva York como para ir a la ciudad y escucharlo todo. De adolescente, iba sola a clubes latinos porque me fascinaban las grandes orquestas y la percusión. Ese ritmo se me metió dentro desde muy pequeña.
Nunca fue algo que añadí después para hacer la música más vistosa. La síncopa, la forma en que caen los acentos, la relación entre la guitarra y la percusión: todo eso se convirtió en parte de mi manera natural de escuchar la música.
En 1985, Astor Piazzolla llegó a mi vida. Entablar amistad con él y asimilar su enfoque del tango elevó mi composición a otro nivel. Me mostró cómo el ritmo, el contrapunto, el drama y la emoción profunda podían coexistir en una misma pieza. Sin esa conexión argentina, mi música sería muy diferente.
O.c: Parece que sientes un profundo amor por el flamenco, música que descubriste gracias a Sabicas. ¿Qué tiene el flamenco que sigue presente, de diferentes formas, en tu música hasta el día de hoy?
Al Di Meola: Sabicas me abrió esa puerta muy pronto. Incluso antes de comprender el lenguaje técnico del flamenco, sentía su fuerza emocional. Tiene orgullo, dolor, disciplina y peligro. El ritmo es increíblemente estricto, pero dentro de esa estructura hay una enorme libertad.
Más tarde, Paco profundizó mucho más en mi comprensión del tema. Estar cerca de él, jugar con él y observar la naturalidad con la que hablaba me cambió para siempre.
Nunca quise imitar a un guitarrista flamenco tradicional porque esa no es mi esencia. Lo que me marcó fue la intensidad, el ímpetu rítmico, la fuerza y el uso dramático de la dinámica. Esas cualidades están presentes en mi música incluso cuando la composición en sí no es flamenca.
O.c: Desde tus primeros álbumes como Land of the Midnight Sune y Elegant Gypsy. Se puede apreciar la fusión del jazz con influencias latinas. ¿Qué importancia tiene ese intercambio de ritmos —y por qué no también de culturas— en la música actual?
Al Di Meola: Ese intercambio es esencial. La música siempre se ha desarrollado cuando las culturas se encuentran. Pero debe nacer de una auténtica curiosidad y respeto. No se puede añadir una conga o un cajón a una canción y de repente llamarla fusión latina.
Hay que entender qué genera la tensión en el ritmo, dónde residen los acentos y cómo se comunican los músicos entre sí. Eso se consigue escuchando, tocando con otras personas y sumergiéndose en la música.
Los jóvenes músicos de hoy pueden acceder a casi cualquier tipo de música jamás grabada en cuestión de segundos. Esa es una ventaja increíble. Pero acceder no es lo mismo que absorber. El objetivo no es acumular influencias, sino integrarlas en su propio lenguaje musical.
O.c: Una vez leí un artículo en el que criticabas la tendencia a priorizar la velocidad sobre la musicalidad. ¿Cómo ves el equilibrio entre técnica y composición en la guitarra hoy en día?
Al Di Meola: La velocidad por la velocidad misma no es la clave. Lo digo como alguien a quien sin duda se le ha acusado de tocar muchas notas.
La técnica es fundamental cuando la música que escuchas en tu cabeza es difícil. Lo peor es oír algo con claridad y luego no poder interpretarlo correctamente. Pero cuando la técnica se convierte en el único tema, el oyente se cansa. Tras la sorpresa inicial, ¿dónde queda la historia?
Chick me enseñó eso muy pronto. Return to Forever contenía pasajes de ejecución extremadamente exigentes, pero se enmarcaban dentro de composiciones sustanciales. Con los años, me he interesado mucho más en la composición, la orquestación, la melodía y el espacio. Un solo es solo una parte del conjunto; no puede serlo todo.
O.c: Chick Corea y Astor Piazzolla fueron dos figuras decisivas en tu desarrollo como compositor. ¿Qué aprendiste de cada uno de ellos que todavía permanece en tu música?
Al Di Meola: No hubo un momento específico. Ya componía mucho en mis primeros álbumes en solitario, pero la técnica fue lo primero que la gente notó porque era inmediata y fácil de describir.
Chick fue mi primer gran maestro como compositor. Return to Forever se construyó sobre la base de música muy elaborada, no solo improvisación. Luego, conocer a Astor Piazzolla llevó mi composición a otra dimensión. Esas fueron las dos mayores influencias compositivas que tuve el privilegio de conocer personalmente.
La percepción pública tardó en asimilarse. Un pasaje rápido impacta de inmediato. La estructura de una composición se revela tras varias escuchas. Si su carrera se hubiera centrado únicamente en la velocidad, no seguiríamos hablando de esta música 50 años después.
O.c: Entiendo que usted reside entre Europa y Estados Unidos, o al menos pasa bastante tiempo en Europa. Algunos críticos de jazz sugieren que en Europa hay mayor libertad creativa, mientras que en Estados Unidos se prioriza la industria y el comercio. ¿Cree que esto condiciona el desarrollo del jazz actual?
Al Di Meola: Resido en Estados Unidos, pero paso muchísimo tiempo en Europa, tanto de gira como con mi familia. En Europa, la música instrumental se ha considerado tradicionalmente parte de la cultura, más que un simple género comercial. El público suele estar dispuesto a sentarse, escuchar y seguir una composición larga sin necesidad de un gancho inmediato.
En Estados Unidos, la presión por definir y comercializar todo puede ser mayor. ¿Es jazz? ¿Es rock? ¿Dónde lo ubica la radio? ¿En qué lista de reproducción encaja? Mi música siempre ha planteado problemas a esas categorías.
Pero tampoco quiero idealizar Europa. El comercio existe en todas partes, y muchos de los llamados festivales de jazz ahora dependen en gran medida del pop y el rock. La verdadera libertad creativa llega cuando dejas de permitir que el mercado dicte tus decisiones musicales.
O.c: Con World Sinfonia, exploraste la idea de la “música global” mucho antes de que se convirtiera en tendencia. ¿Te consideras un pionero en ese enfoque?
Al Di Meola: Yo tendría cuidado al decir que inventé la música global. Los músicos llevaban intercambiando ideas entre culturas mucho antes de que cualquiera de nosotros llegara, y el término «música del mundo» ya se utilizaba cuando formé la World Sinfonia en 1991.
Pero, en mi ámbito particular, sin duda fuimos un grupo pionero. Combinamos guitarra acústica, bandoneón, percusión manual, tango, síncopa latina e improvisación de jazz en una época en la que esa combinación era muy inusual, especialmente para el público estadounidense.
No se creó porque alguien identificara una tendencia. Reflejaba la música que me gustaba, la gente que había conocido y los lugares donde había vivido. Probablemente por eso todavía suena tan auténtico.
O.c: Tu último disco, Twentyfour originalmente iba a ser un álbum solista completamente acústico. ¿En qué momento sentiste la necesidad de convertirlo en una producción más compleja?
Al Di Meola: Comenzó durante la pandemia como algo muy puro: una guitarra acústica, sin sobregrabaciones, sin gran producción. Pero una vez que empecé a componer, no dejaba de oír más. Oía otra guitarra respondiendo a la primera, o percusión de fondo, o un sonido eléctrico, o un movimiento orquestal que se desplegaba tras la melodía.
No hubo un día específico en el que decidiera cambiar todo el concepto. Ocurrió gradualmente. Como la gira habitual había desaparecido, tuve tiempo para ir más allá de lo normal. Cada vez que pensaba que una pieza estaba terminada, se me ocurría otra posibilidad.
El proyecto siguió creciendo durante cuatro años. Finalmente, tuve que aceptar que ya no era el disco que había imaginado originalmente. Se había convertido en algo mucho más grande.
O.c: Acabaste haciendo un álbum doble en un momento en que la capacidad de atención del público es cada vez menor. ¿Fue una decisión consciente ir en contra de esa lógica?
Al Di Meola: No pretendía hacer ninguna declaración en contra de Spotify ni de la falta de atención. Simplemente tenía demasiada música para un solo álbum y no quería recortar piezas que formaban parte de la historia.
Por supuesto, entiendo cómo escucha la gente ahora. Alguien puede descubrir una canción y quedarse con ella durante un tiempo. No hay problema. Pero sigo creyendo que un álbum puede ser una experiencia completa. Twentyfour contiene 15 piezas y más de 80 minutos de música porque en eso se convirtió el proyecto.
Si lo hubiera reducido solo para cumplir con una regla de marketing, no habría sido un documento honesto de esos cuatro años. La capacidad de atención no siempre es el problema. A veces, el material simplemente no ofrece suficientes razones para que la gente se quede.
O.c: El disco alterna momentos muy íntimos, como “For Only You”, con pasajes cinematográficos como “Ava’s Dance in the Moonlight”. ¿Cómo logras ese equilibrio entre lo minimalista y lo orquestal?
Al Di Meola: La emoción determina la magnitud del arreglo. «For Only You» expresa lo que necesita decir con una sola guitarra. Añadir una orquesta no la haría más emotiva; solo la haría más grandilocuente.
“El baile de Ava a la luz de la luna” surgió de un momento muy real. Ava era pequeña y entró al estudio para darme las buenas noches. Escuchó la melodía inicial y se puso a bailar. Esa imagen se me quedó grabada. A medida que la composición se desarrollaba, se volvió naturalmente más cinematográfica porque el recuerdo en sí mismo parecía una escena de una película.
Una orquesta debe realzar lo que ya está presente en la composición. Nunca debe usarse para ocultar la falta de un núcleo emocional.
O.c: En piezas como “Fandango” o “Esmeralda”, se fusionan el flamenco, la música clásica y otras influencias. ¿Cómo logras esta fusión de tantos lenguajes sin perder la coherencia musical ni tu sonido característico?
Al Di Meola: La coherencia reside en la composición. El ritmo, la armonía y las ideas melódicas recurrentes deben mantener la cohesión. Si estos fundamentos son sólidos, los matices pueden variar sin que la pieza se desmorone.
“Fandango” parte de una conexión con la tradición flamenca, pero se desarrolla a través de mi universo armónico y rítmico. En “Esmeralda”, grabé tres partes de guitarra entrelazadas. Puede que evoque la energía de un trío de guitarras, pero las tres voces emanan de mi propia personalidad musical.
No me siento con una lista de estilos que quiero demostrar. Eso se convertiría en un caos rápidamente. Cada influencia debe estar al servicio de la pieza. Si el oyente solo percibe un catálogo de géneros, entonces no he tenido éxito.
O.c: El álbum transita por atmósferas muy diferentes, desde lo introspectivo hasta lo más intenso y experimental. ¿De alguna manera resume todas las etapas de tu carrera?
Al Di Meola: Contiene gran parte de mi esencia musical: la energía eléctrica, la precisión acústica, el flamenco y el ritmo latino, la orquestación, las piezas íntimas y una producción más experimental. En ese sentido, se pueden apreciar conexiones con diferentes etapas de mi carrera.
Pero no lo abordé como una retrospectiva ni un resumen. No estaba mirando hacia atrás ni marcando casillas. El álbum documenta cuatro años inusuales de mi vida, comenzando con el aislamiento de la pandemia y continuando con todo lo que vino después.
Así que yo lo llamaría un retrato más que un resumen. Muestra quién era yo durante ese período y adónde me habían llevado todos esos años de música en ese momento en particular. El próximo disco debería llevarme a otro lugar.