La cantante, compositora y guitarrista Julia Zappa presenta Villa Insuperable (2026), su segundo disco, un recorrido por ocho canciones propias que cruzan el rock argentino, la balada, la música popular y la poética del tango. Coproducido junto a Tomás Amante y grabado con banda en vivo, el álbum propone una mirada sobre el presente a través de los afectos, la memoria y las pequeñas escenas de la vida cotidiana.
Entre el brillo y el asfalto, la melancolía y la esperanza, Villa Insuperable construye un paisaje sonoro profundamente porteño, aunque atravesado por referencias e inquietudes que dialogan con una identidad argentina más amplia. Hay humor, desamor, deseo, nostalgia y una búsqueda de luminosidad en canciones que recuperan cierta tradición de la música popular sin dejar de mirar hacia el presente. La participación de Fonso en «Hojas largas» y la colaboración de Marcelo Cuino Scornik en algunas composiciones suman otras voces a ese universo.
Con una trayectoria que comenzó a tomar forma con sus primeras canciones en 2021 y continuó con Un incendio general (2022), su álbum debut, Zappa fue construyendo una identidad musical en la que conviven el rock, el tango y la milonga, con una interpretación visceral y una escritura atenta a lo cotidiano.
A pocos días de la presentación oficial Julia nos cuenta las influencias que atraviesan su música, el lugar de la literatura, las nuevas formas de vincularnos, el humor como refugio y la necesidad de mantener viva la curiosidad en tiempos difíciles. También sobre la decisión de involucrarse más activamente en la producción, el desafío de encontrar un sonido propio y las canciones como una forma de procesar las experiencias personales.
La presentación oficial de Villa Insuperable será el sábado 14 de noviembre, a las 20hs, en La Fábrica (Fitz Roy 1245). Una oportunidad para encontrarse en vivo con un disco que, entre la tradición y el presente, invita a mirar lo cotidiano con otros ojos.
Otra Canción: ¿cómo vas llevando las repercusiones de este disco? La verdad, particularmente me sorprendió mucho y, si bien lleva poco tiempo, tiene muchos elogios. Veo que hay como un movimiento del disco interesante en ese sentido.
Julia: Qué bueno, gracias. Sí, tal cual. Pasaron muy poquitos días, pero estoy contenta. También estamos en un momento del mundo en el que todo está muy saturado, y está bueno darle tiempo a la gente para que reciba el disco y se tome el tiempo de escucharlo. Pero bueno, sí, está siendo muy bien recibid
O.c: Entrando un poco al disco Villa Insuperable es un barrio, si no me equivoco, de Buenos Aires…
Julia: Sí, de la provincia de Buenos Aires.
O.c: ¿por qué decidiste ponerle ese nombre al disco?
Julia: Yo me enteré de que era un lugar físico que existía y me parecía un buen nombre. O sea, me gustaba el nombre y siempre pensé en hacer una canción con ese nombre. Pasó un poco el tiempo, hice la canción que abre el disco y, en el proceso de hacer el álbum, que llevó más o menos un año, esa canción ya estaba ahí: era una de las primeras que había hecho. Como que Villa Insuperable pasó de ser un lugar real a ser también un lugar medio de fantasía que yo me inventé y que fue acompañando ese proceso.
Queda como una especie de representación de la Argentina de hoy, que siento que es insuperable en el sentido de que pasan cosas buenas y malas, y una la sigue eligiendo, al menos yo. Y eso, viste, tiene que ver con lo sentimental, con lo nostálgico y con esa idea de volver a armarse siempre. Me parecía que era lindo el nombre y que representaba un poco el refugio en el que yo me encontraba haciendo estas canciones. Entonces ahí se quedó este concepto y sentí que englobaba bien lo que estaba haciendo.
O.c: Pienso en el disco y, recién hablábamos de esto, si bien después, cuando me enteré de que era un barrio, lo encontré con… No sé si es un disco barrial, pero sí un disco ciudadano, si querés, hasta un disco medio porteño en algún punto. Si bien, digamos, no sé si existe una música porteña en cuanto al arte, tiene un sonido, si querés, medio tanguero, medio arrabalero, muy de Buenos Aires. Digo, también tiene algo que ver con eso, con tu identidad en algún punto, con tu villa sonora en ese sentido.
Julia: Qué lindo que digas eso porque justo el otro día me apareció un video de Mederos, viste, el bandoneonista, en el que decía en una entrevista algo así como: «Bueno, antes el tango era la música de Buenos Aires y hoy no sabemos bien qué es la música de Buenos Aires porque claramente no tiene la misma vigencia».
Para mí sí. A mí me encanta el tango y siento que a todo el mundo le va llegando en algún momento, pero bueno, eso es distinto. Volviendo a tu pregunta, sí, a mí me pasa que soy porteña, nací acá, viví toda la vida acá y eso me atraviesa. En este disco está bastante presente en las letras, en algunas referencias. Por ejemplo, cuando digo «lo es que te encuentro en el Luna Park», viste, como que hay algo ahí. También hay referencias a tangos, pero se me fueron filtrando medio inconscientemente. No es que pensé todo a propósito.
Pero sí, obviamente hay un cruce ahí inevitable y creo que, cuando te vas poniendo un poco más grande, vas viviendo más cosas y entendiendo un poco más de la vida y sus dificultades, estas músicas te llegan más.
O.c: Para mí, el tango también está muy presente en el rock. Como dice Baglietto en sus shows, venimos de criticar la música que escuchaban nuestros padres y después terminamos amándola. Creo que la esencia tanguera sigue vigente y que hay una nueva generación, como vos o Fonso, que recupera algo de esa impronta. ¿Lo ves así? ¿Hay algo de un nuevo tango en la música que están haciendo?
Julia: Sí, no quisiera decir que el tango está olvidado, pero creo que hay que trabajar para que siga presente, sobre todo entre la gente más joven. Hay algo de no perder ciertas tradiciones y elementos que nos constituyen como argentinos: maneras de hablar, de sentir y de expresarnos que nos identifican.
Por ejemplo, en una canción digo «estar en la pomada», una expresión que yo uso habitualmente, aunque no sea de mi generación. Son cosas que forman parte de mi vida cotidiana y, naturalmente, aparecen en mi música. Está bueno que alguien se sienta interpelado y también quiera conservarlas.
O.c: El otro día fui a ver a Cucuza Castiello, que incluso hace versiones de rock en clave de tango. También Dillom lo invitó a tocar tres tangos en el Costumbre Rock. Creo que hay una nueva generación que está recuperando esa tradición y revalorizándola desde los sonidos actuales. Despue sgente más ligada al tango propiamente dicho como Julieta Laso, Noe Sinkunas o cucuza que recién lo bnombramos.
Julia: Yo creo que hay que tejer puentes entre lo que estamos, hacia lo que estamos yendo y lo que fuimos.
O.c: En este disco tengo entendido que tuviste una relación más activa en la producción y en los arreglos. ¿Por qué esa necesidad de involucrarte más por esa parte y no cederla tanto como en el disco anterior?
Julia: En el disco anterior era más chica. Pasaron cuatro años y, durante ese proceso, creo que estuve más enfocada en aprender un poco más sobre cómo hacer un disco, algo que, por supuesto, nunca se termina de aprender.
Por un lado, las canciones de este disco son más de banda. Desde cómo fueron concebidas hasta cómo las imaginé, ya tenían una unión con una banda que las acompañara. De hecho, era un disco de banda. Lo grabamos en vivo: los músicos tocaron juntos en el estudio. Eso ya marcaba un lineamiento estético más old school, con un sonido más analógico y esa dinámica de una banda tocando en vivo.
Yo tenía eso muy claro y, cuando decidí producir el disco con Tomás Amante, con quien finalmente lo hice, le manifesté que quería ese sonido más crudo y humano, que transmitiera esa cercanía entre los músicos.
También tiene que ver con que me gusta mucho producir. Escucho muchos discos, voy anotando cosas y es algo que realmente me divierte. Fui armando distintas líneas para el disco a medida que avanzaba el proceso y me sentía cómoda con lo que iba apareciendo.
O.c: Si bien es un disco actual, con un sonido moderno, también parece ir un poco a contramano de ciertas tendencias: no es un disco breve ni tiene canciones necesariamente fáciles de digerir. A la vez, aparecen sonoridades de otras épocas, con algo setentista, pero llevadas al presente. ¿Cómo pensás esa relación entre lo local y lo contemporáneo?
Julia: Sí, es un poco mi vida y mi esencia. Hay una lucha entre mi gusto por la música de los 70 y la necesidad de no quedarme estancada en el pasado. Crecí escuchando a los Beatles y a Pescado Rabioso, y esa música forma parte de mi identidad. Inevitablemente, está reflejada en lo que hago, pero tampoco puedo dejar de vivir el presente y proyectar hacia el futuro.
Cuando produjimos el disco con Tomás, le planteé que no quería un sonido demasiado moderno, hi-fi, limpio o perfecto. Me interesaba conservar algo más crudo y humano, incluso las pequeñas imperfecciones de tocar en vivo. Cuando estábamos editando, si había algún error o alguien se equivocaba en una nota, muchas veces prefería dejarlo. Para mí, esas cosas también forman parte de hacer música. No somos máquinas ni tenemos que hacer todo perfecto.
Pienso en los discos que uno ama y en esos pequeños detalles que los vuelven especiales: alguien que se ríe, una guitarra que trastea o algún sonido que se escapa. Son cosas que les dan vida. Me pasó algo parecido viendo Get Back, el documental de los Beatles. Toda la vida los había pensado casi como extraterrestres por la música que hicieron, y de repente los veía tomando un té, componiendo, conversando sobre cosas cotidianas. Me impactó verlos simplemente como personas.
Creo que es difícil desprenderse de la música que nos formó, pero también necesitamos encontrar nuestra propia manera de hacer algo en el presente. En este disco conviven esas dos cosas: esa esencia que viene de otra época y la intención de que suene actual. Es, de alguna manera, tener un pie en cada siglo.
O.c: Recién mencionabas a Tomás Amante, con quien produjiste el disco. ¿Qué aportó él al proceso? ¿En qué aspectos sus ideas te hicieron revisar o modificar lo que tenías pensado originalmente? Porque producir con alguien también implica abrir el juego y dejar que aparezcan otras miradas…
Julia: Tomy es mi amigo y, de hecho, hacía un tiempo me había dicho que me vendría bien hacer un disco de banda. Sentía que él me leía bien, que entendía lo que necesitaba hacer. Lo convoqué para que me ayudara a desarrollar las ideas que yo ya tenía en unos demos bastante caseros.
Él, además de ser músico, es productor y tiene mucha experiencia haciendo discos. Entonces, todo ese conocimiento le dio un salto de calidad a las canciones: ayudó a desarrollar las maquetas, a definir las instrumentaciones y a potenciar cada arreglo. También aportó mucho desde lo instrumental, porque toca muy bien la guitarra y tenía una mirada muy precisa sobre los sonidos y los detalles de cada tema.
Pero lo más importante es que nunca fue invasivo. Escuchó mucho lo que yo quería y me dio espacio para decidir. Las decisiones finales siempre las tuve yo, y eso es algo que valoro mucho. Por ahí hay productores que llegan y quieren cambiarte todo, pero Tommy siempre priorizó mi búsqueda. Me ayudó a ordenar las ideas, a indicarles a los músicos qué necesitaba de cada uno, a buscar el sonido del tambor en cada canción o definir qué efectos de guitarra usar. Fue un trabajo muy de acompañamiento, escucha y respeto, en el que siento que potenció lo que yo ya tenía.
O.c: Varias canciones del disco están compuestas junto a Marcelo Cuino. ¿Cómo surgió el vínculo y cómo llegaron a trabajar juntos?
Julia: Hice tres canciones con él de las ocho que tiene el disco. Una es «Hojas largas», la ranchera que canto con Fonso, cuya letra es de Cuino. Después están «En la pomada» y «Nuevas formas», que son composiciones más mías a las que él les aportó algunos condimentos que sumaron muchísimo.
Lo conozco a través de mi papá, porque son amigos desde la adolescencia. En un momento se acercó, sabiendo que yo hacía música, y pegamos buena onda. Hace dos años empezamos a juntarnos para ver qué pasaba, si salía alguna canción. Por suerte hubo mucha química y de ese encuentro surgieron varios temas. Finalmente, elegí los que sentía que mejor funcionaban para el disco.
O.c: En varias canciones aparece el humor, incluso en temas que podrían tener una lectura más triste. ¿Qué lugar ocupa el humor en tu manera de escribir y hacer música, especialmente en el contexto actual?
Julia: Yo soy un poco así en la vida: estoy todo el tiempo haciendo chistes y me gusta hacer reír a la gente. Es algo que disfruto mucho. Creo que, si no nos agarramos de esas cosas, estamos bastante perdidos.
Por ejemplo, en «Nana Fine», cuando digo que estás medio bajón y te tomás una Epatálgina, me causaba gracia la palabra en sí. Me divierten esos pequeños juegos y encontrar humor en situaciones que quizás podrían ser más tristes. Al final, una canción te permite jugar con esas cosas, decir casi cualquier cosa y encontrar otros sentidos. Es algo que disfruto mucho.
O.c: En «Nana Fine» aparece la frase: «Vas a estar mejor, recuperar el sentido del humor». ¿Pensás el humor como una forma de resistencia frente a lo que sucede hoy o también como una manera de quitarle solemnidad a lo que nos pasa?
Julia: Sí, es un lugarcito donde hacer pie en algunos momentos en los que necesitás tomar aire. Uno no puede estar desconectado de lo que sucede, pero, con lo difícil que es sobrellevar el día a día, también está bueno intentar transmitir algo positivo. Siento que está todo tan mal que, de alguna manera, me brotaba esa necesidad de transmitir algo esperanzado
Otra Canción: ¿Cómo nació «Nana Fine»? Es una canción que, de alguna manera, pone en tensión el trabajo, la falta de prosperidad y la búsqueda de algo que no se puede comprar ni alquilar. ¿Qué hay detrás de esa idea?
Julia: La canción nace un poco como un chiste, como la idea de acercarte a alguien que está triste, hacerle una broma, sacarle una sonrisa o llevarle un lemon pie. Más allá de los anhelos que puedan cumplirse o no, y de las expectativas que uno tenga, hay algo en esos gestos pequeños que me interesa.
Cuando dice «la paz no se compra ni se puede alquilar», aparece una conexión más básica con la propia espiritualidad, por más que suene un poco new age. Tiene que ver con encontrar algo más simple, una forma de salvación en esas pequeñas cosas, en lugar de depositar todas las expectativas en las grandes promesas de prosperidad y éxito. Creo que la canción va un poco por ahí: poner en valor lo chiquito.
Otra Canción: En «Nuevas formas» aparece una contradicción muy propia de los vínculos actuales: por momentos no soportás al otro, pero al mismo tiempo no querés que se vaya. ¿Qué te interesaba explorar de esas tensiones y ambivalencias en las relaciones de hoy? ¿Sentís que las nuevas formas de vincularnos, también atravesadas por las redes, hacen más visibles esas contradicciones?
Julia: Totalmente. Es un tema la contradicción: a veces quiero esto, a veces lo quiero más, a veces menos, pero igual no quiero que te vayas.
Con las redes aparece algo que veo en muchos vínculos cercanos: la posibilidad permanente de conocer a cualquier persona y, al mismo tiempo, la sensación de que nada termina de ser del todo real. Es algo muy loco para la cabeza. Siempre parece que hay otra opción, alguien más que podrías conocer, y entonces cuesta quedarse con lo que uno tiene.
A mí eso no me gusta, quizás porque soy un poco vieja de esencia. Y la canción termina diciendo «no te vayas» porque, en definitiva, creo que todos queremos entregarnos a algo que permanezca, ¿no?
O.c: ¿Sentís que las canciones permiten expresar sentimientos que muchas veces no sabemos cómo explicar o que no nos animamos a decir en persona? ¿Te pasó encontrar en la música una forma de decir aquello que cuesta poner en palabras?
Julia: viste, cantar tiene algo que sí, que no se reemplaza con nada más.
Sí, absolutamente. Incluso creo que habría que investigarlo con algún psicoanalista, porque me ha pasado de escribir canciones que, de alguna manera, anticipan lo que estoy sintiendo. A veces escribís algo y, dos meses después, volvés a escucharlo y te das cuenta de que ahí ya habías elaborado algo que todavía no terminabas de comprender. Es como si en ese depósito de emociones ya estuviera claro lo que te pasaba, aunque vos todavía no pudieras reconocerlo del todo. La canción, de alguna manera, ya tenía una respuesta.
No siempre sucede así, pero sí creo que las canciones tienen esa capacidad. Y cantar, además, tiene algo que no se reemplaza con ninguna otra cosa.
O.c: En «Nuevas formas» aparece la frase «Mis nuevas formas de querer, tus nuevas formas de entender». ¿Sentís que también están cambiando nuestras maneras de querer y vincularnos? ¿Qué lugar tienen las redes en esas transformaciones?
Julia: Creo que el amor, ya sea en una pareja, una amistad o un vínculo familiar, puede ir transformándose. Me parece valioso poder entender eso y estar disponibles para vivir esos cambios. Hay personas que quizás no están abiertas a que la forma de vincularse vaya mutando, que se quedan estancadas o no logran leer lo que le pasa al otro.
A veces, querer de una manera distinta a la que el otro necesita puede funcionar y otras veces no. Es el gran misterio de esta vida.
O.c: En la canción también aparecen referencias a la música de los 70 y a la poesía. Ya hablamos de la influencia musical de esa época, pero ¿qué lugar ocupa la poesía en tu forma de componer? ¿Sos de leer poesía? ¿Qué relación tenés con la literatura?
Julia: La frase «canciones de los 70» la puso el Cuino, que igual me conoce y siento que, de alguna manera, retrató lo que soy. Cuando uno piensa en las canciones de esa época, quizás encuentra algo más amoroso o más naif que en muchas de las canciones actuales. No digo que hoy no haya canciones así, porque las hay, pero siento que en los 70 había algo más de corazón abierto, más romántico.
Ahora parece que todo es un poco más huidizo, más escurridizo. Como que cuesta más aventurarse, entregarse y abrir el corazón para ver qué pasa. Hay un poco más de «pará, pará».
Y, volviendo a tu pregunta sobre las influencias poéticas y literarias, sí, leo bastante. Siento que para escribir canciones tenés que leer. A mí me pasa que, cuando leo, escribo mejor, sin dudas. Me salen mejor las palabras y también hablo mejor.
Pero vivimos en un momento en el que no hay que dar nada por sentado. A la noche uno llega cansado y es más fácil ponerse a ver una serie que sentarse a leer. A veces hay que hacer el esfuerzo de decir: «Che, pará, quiero leer un poco porque me hace bien».
Para este disco estuve leyendo mucho el Martín Fierro. Yo estudié filosofía unos años en la facultad y la última materia que hice fue Pensamiento Argentino. Ahí leíamos el Martín Fierro, el Facundo, a Esteban Echeverría y otras obras fundacionales de la literatura argentina. Estaría bueno que volvamos cada tanto a eso.
Cuando empecé a escribir las canciones para el disco, estaba leyendo el Martín Fierro y lo tenía ahí como un oráculo. Siempre volvía a él. Me parece muy lindo, muy inspirador, tiene unas frases hermosas. Hay una que dice: «Nada, nada enseña tanto como el sufrir y el llorar». Todo eso es re tanguero, como que empezó a aparecer un hilo conductor. Entonces, el Martín Fierro estuvo muy presente.
De hecho, «Bajo tu amparo», que es la última canción del disco y tiene algo de milonga, viene de ahí. Yo quería hacer una cosa medio payadora y empiezo diciendo «aquí me planto a cantar» en vez de «aquí me pongo a cantar».
Me acuerdo de que mi profesor de esa materia, cuando empezó a leer el Martín Fierro, cuyos primeros versos dicen «Aquí me pongo a cantar al compás de la vihuela», había dicho «aquí me planto a cantar». Y eso me encantó.
Esa canción, «Bajo tu amparo», habla un poco de esto que estamos conversando: de este siglo que es diferente, silencioso y estridente, en el que parece que no hay claridad. Pero, en un momento, digo: «Aunque la suerte sea fiera, será nuestro el porvenir». Como que vuelve esta idea de tener un poco de esperanza.
O.c: Si no me equivoco, en esa misma canción aparece la idea de «me quedo acá». ¿Qué significa para vos, hoy, quedarse y apostar por los vínculos y por una vida compartida en una sociedad donde parece primar cada vez más el individualismo?
Julia: Sí, sí, sí. Yo creo que, concretamente, en la canción «Cómo te quiero», ese «te quiero» se lo estoy diciendo a Argentina, no a ninguna persona en particular.
También me salió un poco de ver cómo algunos amigos se fueron a vivir afuera. Uno mismo, a veces, en medio de las complicaciones de vivir, se plantea si quedarse, si irse, qué hacer cuando las cosas no están tan fáciles. Pero ese «cómo te quiero, me quedo acá» es una convicción, una decisión de apostar por seguir construyendo tu vida en tu patria, porque eso te constituye.
O.c: «Bajo tu amparo» podría leerse como una búsqueda de protección. Hoy, ¿qué te protege y qué te hace elegir quedarte en Argentina, tanto en lo personal como en lo musical, en un contexto en el que también podrías proyectar tu vida en otro lugar? ¿Qué encontrás acá que te hace seguir apostando por esta escena?
Julia: Mis amparos son principalmente la gente que está en mi vida, la gente argentina. Me encanta encontrarme con mi gente, conocer personas. Siento que hay una calidez muy linda acá, algo que siempre se remarca.
Me gusta mucho mi ciudad y mi país. Lo que más anhelo es poder conocer otras partes de Argentina tocando. Esa calidez, el encuentro, el hacer con lo que hay y la música. Sigue habiendo un montón de música, recitales y propuestas. Siempre hay algo para hacer, al menos en Buenos Aires.
O.c.: Otra de las canciones que me gusta mucho es «Sin repetir y sin soplar». La interpreto como una invitación a mirar ciertas cosas por primera vez y recuperar la capacidad de sorprenderse. ¿Qué lugar ocupa para vos esa posibilidad de volver a descubrir lo cotidiano? ¿Te pasó algo de eso durante la composición de este disco?
Julia: Julia: Sí, obviamente esa canción habla un poco del desamor. Y esto de volver a mirar las cosas por primera vez tiene que ver, concretamente, con lo que me pasó después de terminar una relación. Por ejemplo, vivir en tu ciudad y transitar lugares donde podrías cruzarte con esa persona te lleva a conocerla desde otro lugar, recorrer otras calles y vivir la noche de otra manera.
Creo que algo de eso me pasó mientras hacía el disco y esa canción, que es muy nocturna y muy porteña, lo refleja. También aparece la necesidad de tomar un poco de aire y reconquistar tus espacios y tus tradiciones.
Otra Canción: Es posible, hay que salir a descubrir y moverse. Y eso me lleva a «Villa Insuperable», donde aparece una idea interesante: «La magia suele estar donde el sol no se ve». Hay una reivindicación de esos lugares que suelen quedar fuera de los mapas más visibles, donde la noche habilita otros encuentros y experiencias. ¿Qué te atrae de esos mundos y qué encontrás en ellos que te permite mirar la realidad desde otro lugar?
Julia: Claramente hay algo muy nocturno en el disco y en esa canción. A veces salís una noche sin un plan definido, vas a encontrarte con un amigo o una amiga y, de pronto, te cruzás con alguien que te invita a otro lugar. Se trata de estar abierta a lo que pueda suceder y dejarte sorprender.
También puede pasar durante el día, salir a caminar y tener una mirada más activa, estar receptiva a lo que aparece. Aceptar que te inviten a un lugar sin saber dónde es y ver qué pasa.
Hay días en los que tenés más ganas y otros en los que menos, pero está bueno mantener la curiosidad activa y, a veces, obligarse un poco. Porque si no te obligás en algún punto, te achanchás.
Otra Canción: Es un disco muy personal, atravesado por experiencias propias. ¿Sentís que lo que te fue sucediendo durante ese tiempo modificó en algún momento tu manera de escribir y de componer las canciones?
Julia: Julia: Concretamente, terminé una relación de pareja muy larga y eso, obviamente, me influyó.
Es medio cliché lo que voy a decir, pero a veces siento que las canciones de desamor tienen una fuerza particular, como si ciertas experiencias te permitieran escribir desde otro lugar. No sé si simplemente por separarte, sino por vivir intensamente y también tener la posibilidad de fantasear con otras experiencias.
Como decía Charly, uno tampoco va a escribir sobre todo lo que le pasa porque no es periodista. También tenés que poder inventar cosas. Pero, sin dudas, lo que te sucede influye.
O.c: ¿Creés que los contextos de crisis generan canciones más combativas? ¿Sentís que hoy la música vuelve a recuperar ese espíritu de crítica y confrontación como una forma de supervivenci
Julia: Si te quedás planchado es muy difícil. A veces tenés todo y no te das cuenta, estás como quieto. Pero cuando hay algo que hace ruido y que necesita mover las aguas, aparece el instinto de reaccionar. En ese sentido, lo único valioso de que esté todo muy mal es que haya una reacción.
O.c: Pensando en esto, hay otra canción que me gusta mucho: «Corazón devaluado». ¿Sentís que hoy también está devaluado el amor? ¿Hay algo en la canción de recuperar el valor de los afectos y dejar de pensar en el corazón roto para volver a apostar por los vínculos?
Julia: Me gusta lo que decís del amor devaluado porque, en el fondo, es un poco eso. La idea de «corazón devaluado» la había leído en un texto del papa Francisco y me pareció muy linda. Cuando el corazón está devaluado, apagado, parece que ya no sirve y que hay que cambiarlo. Pero no se trata simplemente de decir «me hiciste mal», sino de poder correrse y entender que uno no tiene que estar devaluado para poder funcionar con otro.
Otra Canción: En unas canciones participa Fonso. ¿Cómo llegó esa invitación? ¿Cuál es la relación que tenés con Fonso?
Julia: A Fonso lo había descubierto hacía un par de años y siempre iba a verlo. Es uno de mis artistas favoritos de ahora.
Él había hecho un tema con el Cuino para su disco Día del trabajador. Cuando compusimos la ranchera «Hojas largas» con el Cuino, imaginé que podía ser un dueto, con una voz masculina, y enseguida pensé en Fonso. Se lo comenté al Cuino, que ya lo conocía, y él hizo el contacto.
Yo no había hablado nunca con Alfonso, aunque lo había visto alguna vez y conocía a algunas personas de su banda. Se copó, le mandamos la canción, le gustó y se sumó. La verdad, fue un gran encuentro.
O.c: Ahora que el disco está publicado, ¿lo sentís vigente o más bien como una fotografía de un momento de tu vida? Teniendo en cuenta que muchas canciones nacieron de experiencias personales, ¿sentís que hoy seguís conectada con ese universo o que ya estás en otra etapa?
Julia: Algunos temas los hice hace dos o tres años. «La pomada», por ejemplo, tiene ese tiempo, mientras que «Sin repetir y sin soplar» la compuse hace unos diez meses. «Bajo tu amparo», en cambio, lo siento presente todo el tiempo porque sigue pasando lo que cuenta.
Obviamente, ahora ya tengo ganas de pensar en un nuevo disco. También quiero empezar a tocar más con banda. Tengo ganas de hacer canciones más movidas, más de banda, de esas que hagan que la gente haga pogo.
Por ahora estoy contenta con este disco. Me gusta y creo que es una buena carta de presentación. No estoy todo el tiempo componiendo; estuve muy enfocada en este trabajo. Veremos ahora, cuando llegue el verano y vuelva a agarrar la guitarra, qué aparece. Pero vamos para adelante.
Otra Canción: Y pensando en ese próximo disco, ¿sobre qué temas te gustaría escribir hoy? ¿Qué cosas tenés ganas de contar o de poner en discusión?
Julia: Tendría que pensarlo. Puede ser que aparezca algo un poco más ligado a esta necesidad de despertar, de dar una cachetada, de decir: «Vamos, despertémonos un poco».
Otra Canción: Para cerrar dentro de poco tenés la presentación del disco. ¿Cómo sigue el año? ¿Tenés pensado girar y llevar estas canciones a otras ciudades durante el verano?
Julia: Ahora tengo la presentación acá en Buenos Aires, el sábado 14 de noviembre en la Fábrica.
Quizás en verano pueda agarrar el auto de una amiga y armar algunas fechas en la costa, ver dónde podemos generar encuentros con la guitarra.
Probablemente el año que viene empiece a moverme por el conurbano, Córdoba, Rosario, La Plata y todo lo que se pueda. La idea es ir organizándolo a lo largo del año.
